Kokuhaku (Confessions)

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Una de las cosas que más me gusta del cine asiático es su completamente diferente forma de ver el mundo. No sólo en sus historias o personajes, sino en su tono, puesta en escena y hasta pareciera que juegan con unas reglas diferentes al hacer películas al mundo occidental. Como consecuencia de esto, se encuentran filmes fascinante, otros horribles y un tercer grupo: realmente no se si entendí algo. El director Tetsuya Nakashima en este caso juega por momentos en los tres tipos que he enumerado. La trama se entiende, por ahí no hay inconvenientes, ahora el tono y puesta en escena es desconcertante. Por momentos brillantes, por otros un insulto a nuestro intelecto y por momentos no se definir que intenta hacer, con lo cual no se si es bueno o malo.

Siempre elogio la cinematografía coreana, en este caso nos vamos a quien pelea por el segundo lugar junto a China, Japón. Tierra de maestros que no encontró relevos a los Takeshis (Kitano y Miike), apariciones fugaces de un sólo éxito no cuentan, por lo cual a nuestro amigo Tetsuya lo tengo en cuenta, pero necesito confirmación a su trabajo. Y quizás por donde más me gusta Confessions es por el tema: la venganza. Muy recurrente en el cine oriental, tienen algún tipo de obsesión que los hace llegar a los límites más insospechados. La película roza el borde de lo ético, si es que no lo pasa. Parte de la venganza (mini spoiler) tiene que ver con el HIV, que ya es cuestionable el uso que se le da, pero las acciones y situaciones posteriores entre los alumnos, me parece que se pasó un poco.

Lo más interesante es sin dudas la forma en que se cuenta la historia. Una serie de confesiones que juegan a ser una voz en off, complementan de forma inteligente la información que vemos, evitando en la mayoría de los casos ser redundante. Además, permiten el cambio de puntos de vista y la identificación con más de un personaje. Esto en realidad, nos mueve de manera emocional constante, haciendo que el espectador cambie de posicionamiento cada 10 minutos, respecto a quien es bueno, quien es malo y si queremos o no que vivan. Resulta muy interesante como ejercicio, pero a la vez un poco desesperante. Uno no se termina de sentir cómodo en ningún momento y sinceramente cuando termina todo, uno se encuentra un poco perplejo sin saber exactamente que ha pasado (no tanto en el filme sino en nuestra cabeza).

Con interpretaciones sólidas, especialmente un manejo brillante de los chicos, que suelen ser un dolor de cabeza, son la clave para que todo esto funcione. Y esta vez, dejo una pregunta, para todos aquellos que la vean: ¿qué creen que simbolizan los espejos? Mi opinión es que al ser espejos de tipo curvos, que expanden la visión, a la vez la distorsionan un poco, jugando así un poco más con como se distorsionan las cosas con los puntos de vista.

La música y las cámaras lentas forman parte del "no se si lo estoy entendiendo". Generan un gran clima y ayudan a la historia, aunque no entiendo el por qué de su uso tan asiduo y por momentos caprichoso.

Una cinta que vale la pena ver, aunque no me hago cargo de como se sientan después de hacerlo.

Drive

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Una apuesta diferente, que viene con una gran recepción inicial en USA, se acaba de estrenar en España en el festival de Sitges aunque desconozco su fecha de estreno en el circuito comercial. Aunque es medio paradójico el término, ya que comercial no es precisamente esta película. Nicolas Winding Refn es un director diferente, sus películas tienen su sello particular, ya sea desde la concepción de personajes psicologicamente complicados como desde el tono en que filma. En Bronson llego a su punto cumbre, pero no logra terminar de plasmar su estilo de una manera que cierren sus obras al completo. Drive es un claro ejemplo.

El filme parte con buenas intensiones y asume riegos grandes al ser una apuesta diferente. Sin embargo fracasa al pecar de extremos algunos puntos, que irritan un poco al espectador. La música (y los créditos iniciales!!) es muy ochentosa, algo bonito para los nostálgicos pero que sin dudas desesperante. Lo mismo que el personaje principal interpretado por Ryan Gosling con su extrema costumbre de ser de muy pocas palabras (dan ganas de darle cachetadas y gritarle que diga algo). Porque si bien lo hace muy diferente, no menos cierto es que impide al espectador idenificarse con él. A la vez que las interacciones de los demás se vuelven un poco incomprensibles (todavía me pregunto qué le vió Carey Mulligan para enamorarse). El tempo lento no es una contra, con el clima creado y si estamos con el punto de vista de Gosling está más que justificado. Y es lo que permite que ciertos momentos de relax, mantengan la tensión y estemos al acecho de qué es lo que va a suceder. Y a pesar de que me haya quejado, hay momentos musicales que recuerdan mucho a Scarface, con lo cual ahí me ganó la fibra y le suma un plus.

Si el filme se llama Drive, no puede estar más justificado, nuestro "héroe" lo hace de todas las maneras posibles. Conductor de fuga para ladrones, conductor especialista para películas, chofer para la chica, corredor de carreras, vamos, que lo vemos conducir de todas las maneras posibles. Y si bien es un error abrir tantos caminos, ya que algunos quedan un poco descuidados, no menos cierto es que todos están bien unidos y se centra en el principal. A la vez que de una manera u otra, todos los caminos conducen a Roma. Es decir, todas esas variables conductivas serán las que desemboquen en el final de la historia.

La clave es la paciencia, ya que esas pequeñas "cositas" que ponen a uno un poco de los nervios son perdonables en beneficio de el "bien mayor". En la busqueda de ver una peli diferente Drive se encuentra disponible y justifica el verla. No pasará a la historia pero si nos ayudará a pasar el rato.

Contagion (Contagio)

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Pocas cosas me irritan más en un director que cuando se enamora de sí mismo. Steven Soderbergh se une a esta lista con su última película. Si se lo elogiaba por su manejo de castings impresionantes y la habilidad de manejar filmes de tipo coral, en Contagion lo lleva al extremo. Infinidad de personajes, todos bastante sólidamente unidos en la trama, pero que llevan a una cantidad de desaciertos muy grande. Básicamente porque si como digo la trama está bien unida y su desarrollo, aunque lento, funciona aceptablemente, es el abanico de interminable de subtramas lo que destroza la cinta.

Cada personaje abre una historia diferente, en la mayoría de los casos innecesaria e intrascendente. Si no estuvieran en la película nada cambiaría. Y si son evitables, no es de sorprender que carezcan de interés, que generen más preguntas que respuestas, que los personajes no se terminen de construir y en algunos casos que caigan directamente en el olvido (¿ alguien puede decirme qué pasa con el Dr. Sussman? Hace el primer avance, ¿dicen que le darán una caja de cigarros y ya esta? ¿se ahogo fumando? ¿qué fue de él?) para siempre o momentáneo (la pobre Marion Cotilleard la abandonamos en China como por una hora). Y lo que es peor, ante tanta gente no sabemos con quien identificarnos. Y prácticamente nos da igual lo que les pase. Así, si la palma la mujer de Matt Damon, tristemente nos reímos con un chiste (creo involuntario) ya que poco sabemos de él y de ella sólo que le ponía los cuernos y esparció al mundo una enfermedad letal (mala presentación Gwyneth Paltrow). No se preocupes, todos estos "spoilers" están en el trailer. Aquí quizás la mayor gravedad, entiendo que el bueno de Matt, en su hiper soso personaje, es lo más cercano a ser un protagonista, pero no entiendo para qué esta. No aporta nada su existencia. Así de grave es el manejo de las subtramas.

El caso del personaje de Jude Law es palabras mayores. No sólo por lo poco creíble que es su personaje, con su punto más alto: un allegado a farmacéuticas se acerca a preguntarle que hacer, donde invertir, ya que es un "visionario" que fue el primero en darse cuenta que la enfermedad sería una pandemia. La respuesta de Law entra en el top10 de ridiculeces cinematográficas: La cura es la forcisia (medicamento que no sabemos ni de donde sale, pero muchísimo menos por qué un simple blogger con ambición periodística sabe cual es la solución al fin del mundo antes que se comience a buscar la cura). Ante esta atrocidad que da ganas de darse la cabeza contra el asiento de delante en el cine cae el peor error de Soderbergh. Los pañales que se pone. Con cada intento de criticar algo (farmacéuticas, china, el imperio americano, la naturaleza humana) hace un contrapunto que lo invalida y termina sin decir nada. ¡¡¡Y para qué haces una película si no tienes nada que decir!!! Sin duda lo más atrapante era ver como condenaba la lucratividad que hacen algunos de la muerte y en una desenlace horrible, deja la pregunta abierta sin mojarse, con lo cual no sabemos de qué lado está el director.

Cierro con un acierto/error. El filme comienza con un sobreimpreso que pone Dia 2. Me pareció genial. Mínima variable a lo siempre visto, pero dando por hecho que no hacía falta perder el tiempo con clichés y demás tonterías. Claro que todo se lo carga al cerrar la película con el Día 1. No sólo cae en el montón, sino que a esas alturas... ¿a quién carajo le importa lo que vamos a ver ya?

Sinceramente considero un pérdida de tiempo mirarla. Pero vamos, no voy a prohibir a nadie de ver un filme con un reparto de actores tan amplio, que toca un tema candente y de la mano de un director conocido. Eso sí, están avisados de la decepción que van a sufrir.

Hesher

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Hay una oleada de nuevos directores en Estados Unidos, la mayoría provenientes del mundo del cortometraje, que parecen intentar dar una bocanada de aire fresco. Con un estilo ligeramente variado, historias que rompen los moldes y asumir algo que parecía olvidado: el riesgo. Si uno ve los primeros 10 minutos de Hesher cree que está ante un nuevo caso de esta novedad. Si mira los 95 minutos restantes, confirma que es un intento, pero que fracasa rotundamente.

El inicio de la película es genial. La presentación del personaje de TJ es intrigante y redonda, sin contar demasiado, se descubre mucho tanto del chico como de la trama pasada. Genera una empatía muy rápida y es elogiable contar tanto con tan poco. Luego entra en escena quien confusamente da el título al metraje, ya que no es el héroe sino el principal secundario: Hesher. La mejor aparición de un personaje de la historia. Sale de una pocilga abandonada, pilla a TJ de lo pelos para darle una lección, pero un policía aparece, con lo cual decide ¡TIRARLE UNA GRANADA!. Impresionante.

A partir de ese momento, todas las preguntas que se plantean implicitamente no recibirán ninguna respuesta. Todas las acciones de los personajes son incoherentes e inverosimiles. De hecho, Spencer Susser, el director, se pone en la boca del niño cuando un personaje le pregunta: ¿qué estas haciendo?, a lo cual su respuesta es: No tengo ni idea.

¿Si Hesher le tira una granada a la policía, como puede cruzarse con ellos y hablar como si nada ocurrio? ¿si TJ es un genio, ya que es mucho menor que sus compañeros de escuela, como puede tomar decisiones tan idiotas o intentar seducir a una mujer que le lleva 15 años?. Por el otro lado, los sucesos que pasan son de lo más predecible, muy obvios, trilladas y por tanto, irritantes. El ejemplo más sencillo y pronto, es la asociación musical del Hesher con Metallica, ya que desde el título del filme se copia la tipografía. Cada minuto a partir del once, es una ofensa al intelecto del espectador.

Las interpretaciones son horribles. Rainn Wilson hace el viejo truco de Robin Williams de dejarse la barba para interpretar el drama, pero no sirve, que se quede en la comedia. Joseph Gordon-Levitt está tan perdido como su personaje y ni él sabe por qué hace lo que hace. Natalie Portman es tan insulsa y golpeable como su personaje inocente de Black Swan (sólo que aquí no tiene otra cara para salvarse). Devin Brochu es probablemente el más sólido, pero su personaje no lo ayuda a brillar.

Punto para el realizador por intentarlo, punto por usar a Metallica como banda sonora, punto por un gran comienzo del metraje y hasta ahí llegamos, le damos la esperanza de que en su segundo filme logre mantener esa solidez inicial durante muchos más minutos.

The Perfect Host (El Perfecto Anfitrión)

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Hay veces que uno mira un filme sin tener demasiadas expectativas, sin mucha información del mismo, lo que hace suponer o bien que no se trata de uno bueno, o simplemente que no tiene nada especial que ofrecer. Después de ver The perfect host uno se pregunta qué es lo que les pasa a los medios de comunicación. Es una de las películas más valientes de los últimos años de Hollywood y su apuesta arriesgada merece ser centro de mucha atención. En virtud de mantener la grata sorpresa que tuve yo, recomiendo no ver el trailer y dirigirse directamente a ver el largometraje.

Nick Tomnay hace su presentación como director de largos repartiendo cachetazos a todos aquellos sosos que continúan haciendo pelis chorizo una detrás de otra. Con un estudio importante de los maestros de la gran pantalla, retomando ideas que otros en su día decidieron experimentar, las aplica en algunos casos mientras que en otros las potencia. Sin decir cuál es, el punto de giro del minuto 30 tal como el manual de guiones pide es brutal. Cambia totalmente la película al punto de que desde ese momento perderemos el punto de vista único con el que veníamos recorriendo la historia. Es el primero de varios giros sorpresa (algunos muy inesperados, otros más predecibles) con el que la trama nos atrapará para no soltarnos hasta el último segundo. 

El uso de los flashbacks es genial, tienen una progresión dramática que no sólo sube de intensidad, sino que también para el manejo de la intriga. Los primeros, lejos de revelar algo útil, abren más preguntas, que el desarrollo de la historia y de estos mismos recuerdos comenzarán a contestar poco a poco.

Pero quizás la clave de todo esto sea la ambigüedad de los personajes. Sus luces y lados oscuros, son intuíbles pero hasta que no se presentan claramente nos mantienen en vilo de ver que sucede a continuación. Y evidentemente esto no se puede lograr si no fuera por grandes actuaciones, especialmente un brillante David Hyde Pierce, a quién no veía desde la desaparecida Frazier y que nunca hubiese imaginado capaz de brillar en una película de este tipo. Clayne Crawford está muy sólido, aunque quizás opacado por su compañero de reparto. También es cierto que para iniciar la lista de "peros" me desespera la facilidad de desmayo de su personaje.

Los puntos flojos son pocos y leves. Algunos momentos con un humor un tanto burdo para la calidad del filme y sobretodo, cierta precipitación en el cierre de la película. Toda la paciencia que tuvo para desarrollar la trama y el inicio del desenlace, la pierde un poco en el final, donde aunque todo cierra y queda clarito, podría haberse tomado diez minutos más para desarrollarlo. Si acaso el miedo de la opera prima para cuadrar un guión de manual con sus noventa minutos y los giros cada media hora exacta se lo impidieron, pero sin dudas The Perfect Host es una opción para el fin de semana óptima, ofreciendo calidad, entretenimiento y la satisfacción de ver que todavía hay gente que se atreve a hacer algo diferente.

Hwanghae (The Yellow Sea)

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Después de su genial presentación con The Chaser, Hong-jin Na nos acerca su segundo largometraje potenciando la línea establecida en su opera prima. Nuevamente la ineptitud y corrupción será la temática central y será tratada con maestría.

Encontramos dos variables importantes respecto a su anterior filme: la duración (dos horas y cuarenta minutos largos... largos...) y la estructura del guión. Si hay algo que me gusta de Guy Ritchie es la forma en que en sus historias cada vez más personajes coinciden en un objetivo y llegan a un punto culmine donde todos se dirigen al mismo sitio. No repite la formula pero hay cierto parecido. En lugar de coincidir por el objetivo, hace una variable más inteligente, que consiste en encadenar objetivos. Los personajes se persiguen y cruzan porque sus objetivos de alguna manera de relacionan. Consiguiendo una intriga importante y atrapante que hace llevadero el muy lento tempo en que se desarrolla.

Siempre se pide evolución y no dormirse en los laureles (hola Quentin Tarantino), desarrollar el lenguaje e ideas para lograr no ver una y otra vez el mismo filme (hola Guy Ritchie). Creo que acertadamente, al tener bien logrado la parte de lo ineptos que son muchos integrantes de la sociedad, en The Yellow Sea, decide explorar con mayor profundidad ese lado oscuro que había presentado en su anterior película. No sólo en la transición de un personaje, sino también en los que ya lo eran. Y bien lejos de Hollywood, no tiene por qué pensar que alguien que cae puede ser capaz de salir o dar vueltas de tuerca que generen felicidad.

Para aquellos que estén en Catalunya, el filme está en el programa del inminente festival de Sitges. Es lento, si,  pero válido y con muchos aciertos, aunque un pelín por debajo de su anterior trabajo. Igual, mi confianza sigue ciega en este hombre, espero ansioso su próxima obra.