Contraband (Contrabando)

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¿Cuál es la importancia del guión? Infinita. ¿Qué tan estructurado debe ser? Ahí entramos en territorio fangoso, ya que la estructura y formalidad del mismo, dependen del tono e intensión del director. Preguntar a David Lynch sino... Pero si alguien quiere hacer un filme de género y tradicional, ahí la importancia de la construcción de los hechos es fundamental. En otro tipo de películas importa más la construcción de personajes y situaciones, pero en esta clase hay que ceñirse al manual. Y en Contraband flaquea por todos lados. Además de caer en clichés (¿cuántas veces vimos al hombre "reformado" recaer por una obligación familiar?), la construcción de personajes es floja, la resolución de los obstáculos es floja y las sorpresas... no sorprenden.

Baltasar Kormakur es un director proveniente de Islandia, del cual no tuve oportunidad de ver trabajos anteriores, por lo cual sólo lo puedo juzgar por su desembarco en los EEUU (aunque esta sea su segunda película allí). Se limita a realizar una puesta en escena transparente y llevar con buen ritmo el desarrollo de la trama. Aporta música muy bonita que ayuda a que todo pase rápido y de cierta manera entretenida. Pero a medida que avanza el metraje no es suficiente, ya que las carencias se van sumando y cada vez nos encontramos con una trama más ridícula.

Lo que más me desespera es la facilidad con la que se resuelve cada inconveniente o traba que encuentra el protagonista en su camino. Toda la creatividad para crear los obstáculos la pierden al resolverlos. Todo es muy fácil todo el camino. Incluyendo el final. Lo cual no puede ser más decepcionante, ya que era la última piedra a la que agarrarse antes de caer al precipicio. Queda una sensación de que todo va pasando, y lo vamos contemplando, pero esa liviandad y la falta de profundidad en los personajes hacen que nos vayamos distanciando más y más.

Las interpretaciones son chatas, planas, no aportan nada. Mark Wahlberg exceptuando Boogie Nights nunca fue gran cosa, pero secundarios usualmente sólidos como Ben Foster, Lukas Haas o Giovanni Ribisi se pierden por completo.

Absoluta pérdida de tiempo, si ven el cartel o la ven haciendo zapping, huyan.

Joheunnom Nabbeunnom Isanghannom (El Bueno, el Malo y el Raro)

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El Western es el género cinematográfico puro. Y mayoritariamente ha sido desarrollado por los americanos. Lo que es bastante raro es encontrarlo en Asia, pero Japón nos regalo algunos intentos. En el caso de El Bueno, el Malo y el Raro, nos dirigimos a la gran Corea, país que me tiene enamorado con su cine de los últimos 15 años. Y si había algo que no me esperaba, era encontrar la brillantez en el mundo del Western.

Hagamos una mini introducción a la historia, ambientada en Manchuria en los años 30/40. Territorio conflictivo por esos tiempos, que ocupaba Japón, aunque en el pasado habia sido parte de China y de Corea, a la vez que lo reclamaba Rusia para sus propios intereses. Ese caos político y gubernamental lo convertía en tierra de nadie, con ciudadanos de los países involucrados (y también mongoles a causa de la cercanía), ideal para desarrollar este tipo de historia. Un mapa, con la ubicación de un antiguo tesoro, sera el eje de la trama, donde muchísima gente estará en busca de este. Pero la historia se centrará en tres personajes, los que dan el nombre al filme. ¿Ya están tentados de verlo?

Jee-Woom Kim ya se había mostrado como un sólido director en Dos Hermanas y I Saw the Devil. Ahora nos demuestra su versatilidad con un nuevo género al que parece tener controlado al nivel de los más grandes. Le agrega un toque de humor y sobretodo, una gran adaptación a su región, lo cual lo convierte mucho más atrapante por tener una trama diferente, ya que el Western es quizás el más repetitivo en cuanto a historias. Su mano detrás de la cámara se adapta perfectamente a los momentos y tonos que quiere transmitir. Y tengo que confesar que un gran acierto es la música. Elegida perfectamente y confeccionada para transmitir todo lo que el filme encierra.

El guión es muy bueno, más de dos horas donde mantiene la tensión y el desarrollo emocional. Inclusive si vemos una secuencia de lucha, tiros y demás, que dura 20 minutos. Pero es que el desarrollo de los personajes, aunque no parezca especialmente profundo, es de buena construcción y nos identifica en mayor o menor medida con todos. A la vez que nos regala frases de esas que uno no olvida ("Todos los coreanos tienen una historia triste que contar").

Y son las interpretaciones lo que terminan de configurar una película de esas que valen la pena ver. Kang-Ho Song muestra una vez más su versatilidad, es capaz de crear todo tipo de personajes y sobretodo, de dotarlos de muchos matices. Soy fan de este hombre. No es casualidad que este presente en el 80% de las buenas películas coreanas. Lo acompañan Byung-Hun Lee, interpretando al malo, pero dotándolo de un atractivo perfecto. El bueno, como siempre es quizás el más difícil de interpretar (Recuerdo que una vez alguien me dijo respecto a la serie Lost: Qué fácil es ser Sawyer, que complicado es ser Jack) y el trabajo es llevado a cabo por Woo-Sung Jung, lo hace muy bien, denota cierta oscuridad, pero es sin duda la nobleza encarnada.

El único "pero" grande se encuentra en la verosimilitud de algunas secuencias. Quizás soy muy exigente, pero no me gusta cuando las armas tienen infinitas balas y los héroes son capaces de esquivar dos millones de disparos para acabar contra 200 hombres. Le perdono cuando lo hace en busca del humor, pero en las otras escenas, prefiero que reduzcan la cantidad de oponentes y me lo resuelvan de una manera más creíble. Dejemos ese tipo de acciones para Batman o cualquier otro superhéroe.

Son 130 minutos de metraje, pero les aseguro que valen la pena, hasta llegar a un final muy bien resuelto y filmado de una manera magistral, combinando la tradición al género, con las herramientas que el cine moderno posee. Gran hallazgo, los invito a compartirlo.

Tower Heist (Un Golpe de Altura)

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Sinceramente cuando vi el trailer me motivó muy poco a ver esta película. Pero quizás las presencias de Eddie Murphy y Ben Stiller en un mismo metraje me alcanzaron finalmente como motivación. Es imposible pensar que con esos dos uno no se va a reír. Y mis dos previsiones fueron correctas. Me reí, el filme no es gran cosa.

Tower Heist es una de esas comedías que es de agradecer tiene una trama, un desarrollo de historia que va más allá se de ser delirante y graciosa. Se busca un desarrollo, con un toque de actualidad, tocando conflictos reales y que el interés sea el que el propio guión propone. Pero fracasa, la trama tiene fallos por todos lados, "se olvida" de filmar partes que si bien no somos estúpidos y podemos reconstruir, no estaba de más dedicarle unos minutos y construir todo correctamente. Lo mejor sin duda es el humor, que está presente y que recae en un 95% en las interpretaciones. Ni el guión construye grandes secuencias, ni el director brilla con su realización.

Y no es algo que esperáramos. Porque Brett Ratner no es precisamente un director aclamado. Hizo la correcta Dragón Rojo, pero a partir de allí se destacó por hacer bodrios. Tiene el dudoso honor de haber hecho la peor de las cuatro X-Men. Y el sí meritorio de ser el productor y creador de una gran serie: Prison Break, de la cual su primera temporada me parece la mejor temporada de cualquier serie que se haya visto. Pero claro, una cosa es ser productor y otra director. Aunque en Hollywood muchos se empeñen en creer que estar calificado para una lo convierte en valedero en la otra. Gracias Brett por dejar en evidencia que no es así.

Si el guión no funciona, la realización es floja, ¿cómo aguantar 105 minutos delante de una pantalla? De la mano de los actores. Eddie Murphy siempre nos sacará una sonrisa, aunque sea sólo con el hecho de sonreír él. Ben Stiller está menos tonto de lo habitual y creo que lo favorece. Y los secundarios brillan solitos. Gran reaparición (al menos a mis ojos) de Matthew Broderick, con pelo canoso y un personaje muy tristón pero efectivo. Y creo que es la primera vez que me gusta Casey Affleck. Sin embargo, y a título personal, el que mejor está es Michael Peña, a quien no lo tenía visto en comedia y se mueve como pez en el agua.

Si no tienen nada, pero nada, pero nada, que hacer. Se puede ver, porque unas risas saldrán, pero el sabor de boca final será flojo, como que se desaprovechó algo. Y estarán en lo cierto.

Machine Gun Preacher

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Querer y no poder. Qué dura es esa lucha. Cuantas buenas intensiones tiene Machine Gun Preacher. Demasiadas. El que mucho abarca poco aprieta. Estoy con los dichos hoy. Pero es que en esta película se nos hace un lío sola con tantas inquietudes que nos quiere transmitir. Se hace un caos y no se termina de decidir que es lo que nos quiere contar. ¿Va del horror que se vive en África? ¿O es acerca de la búsqueda de dios? ¿Acaso va de la oscuridad que reside dentro nuestro? ¿O de los valores sociales, llámese familia o amigos? Ya se...¡va sobre política!. Bueno, en realidad el filme se trata de todo eso, imaginen meter todos esos temas en dos horas. Imposible.

Marc Forster saltó a la fama con Monster Ball, una buena película pero cargada de golpes bajos innecesarios. Luego nos regalo la fantástica Stranger than Fiction. Pero en el camino nos dejo un bodrio como Quantum of Solace. Y los aciertos y errores de su trayectoria se ven reflejados en su último trabajo. Lo que más me molesta son los golpes bajos, pero porque los trata con la limpieza que da Hollywood. Si vas a ser crudo, hay que serlo con todas las consecuencias y no sólo desde el guión. Porque el guión es bastante mejor que la realización. Pero eso no quita que tenga varias de las mismas falencias. Es normal poner a veces extremos para hacer entender un punto, pero eso no quiere decir caer en el ridículo. La secuencia de la fiesta mejicana como contrapunto es muy buena. Pero el sobre con el dinero escaso, la vuelve inverosímil. Que usan niños para la guerra lo sabemos, y está bien mostrarlo. Pero convertir a uno en un francotirador implacable... ya no lo compro.

Pero quiero hablar un poco de la estructura y momentos. Los puntos de giro. Los primeros 15 minutos son para tirar a la basura. La primer secuencia, cargada de golpe bajo y muy mal filmada, sabemos que va a servir más adelante, pero no le dan ni el 10% del valor que debería tener. Por eso queda como golpe bajo innecesario. Seguido a eso viene el despropósito de Gerard Butler motoquero. Tan ridículo que ni él se lo cree, por el personaje, por la ropa, por las situaciones, por mucho que lo quieran usar para caracterizar, es muy ridículo y la lamentable interpretación (luego mejora, hablo de esos 15 minutos) del actor escocés es la prueba principal. Pero sin duda lo que más me molesta, son los cambios del personaje, totalmente brutales y poco apoyados en hechos. Oh... encontré a Jesús, soy un hombre bueno. ¡¿Cómo lo has encontrado?! (Lo mismo cuenta para su amigo Donnie). Oh... tuve una visión, de ser albañil ahora soy arquitecto. ¡¿Quién te enseño a hacer planos?!. Oh... me vuelvo loco, vendo todo, no me importa mi familia y salgo a matar a todo dios. Espera, me cuentan una historia y soy bueno otra vez. Y los niños africanos aprenden ingles cuando se me da la gana lo saben hablar, cuando no, no.

Entonces, entre el caos de temas y giros, personajes que no cierran y hechos crudos pero mal realizados, se hace un lío terrible Forster, del cual termina saliendo un producto mucho más pobre del potencial y sus intensiones.

Las interpretaciones no lo ayudan. Butler como dije empieza fatal para terminar en correcto. Michelle Monagham y Michael Shannon están tan perdidos como sus personajes, que cambian sin que nadie entienda como. Casi como crece de edad la hija, que es la más perdida de todos.

Me da pena tener que ser tan duro con este filme, pero hay que ser honesto y no dejarse llevar por las buenas intensiones. Porque al fin y al cabo, ¿qué es peor? Tenerlas y llevarlas a cabo mal o no tenerlas. Difícil. Sin dudas, es mejor mirar esta película que cualquier producto chorizo, pero si les interesa el tema África, les recomiendo Hotel Rwanda. Porque de la bataola temática es el más fuerte, los demás están menos trabajados. Y les desafío a que no se rían en el plano que se va abriendo de Butler construyendo una pared con una cruz. Una de las alegorías más burdas que vi en muchos años. Esperen a que la pasen por la tele, no es una de esas para gastar dinero.

Detachment

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Tony Kaye fue el responsable de una de las películas más subestimadas de la historia hollywoodense: American History X. Al menos por parte de la prensa. La gente suele tener un buen recuerdo, pero pocas veces se la cita entre los referentes. Sin embargo, fue una peli cargada de emoción, mensaje, muy bien narrada y muy atrevida. De regalo nos deja la escena más impactante que he visto nunca: Ya saben... la del borde de la vereda... y no digo más por si algún despistado aún no la ha visto. ¿Qué fue de la vida del señor Kaye? Tras algunas películas en el mundo independiente, regresa al circo con otra bomba visual: Detachment.

Nuevamente nos encontramos con una temática valiente, encarada de una forma quizás extrema, pero no veo otra forma de conseguir la reflexión. Y lo hace apoyado en interpretaciones impecables y un guión dispuesto para emocionar y desarrollar personajes. Tengo que decir que no me gusta el "documental" que intercala para meter una especie de voz en off, ya que termina siendo sólo eso, no lo relaciona directamente con la trama. Me parece el error más grave, pero por el otro lado, logra una buena profundidad en la mayoría de personajes y sobretodo en el tema. Ese viaje de introspección hacia el mundo educativo pero sobretodo a los problemas sociales cotidianos. Porque en mayor (muy dudoso) o menor medida, nos podemos encontrar reflejados en varios puntos de la trama. Y creo que todo apunta a una pregunta tan sencilla como a la vez difícil de responder: ¿Qué nos hace felices?

La puesta en escena es magnifica. Dejando de lado el ya mencionado montaje paralelo con las entrevistas, la cámara parece pintar por momentos un cuadro, potenciando todo lo que el realizador quiere. Un estilo muy personal pero a la vez efectivo. Intimista cuando lo necesita, agresivo cuando la trama lo pide. El director deja su sello.

Las actuaciones me han parecido exquisitas. Comenzando por el mejor Adrien Brody que vi en bastante tiempo, por secundarios que lo bordan como la joven Sami Gayle. Y un repertorios de secundarios que brillan con luz propia, en especial el gran James Caan y voy a destacar a Lucy Liu, en el primer filme que creo verla realmente interpretar y no dedicarse a sonreír, posar sexy  y repartir patadas.

Detachment a pesar de su elenco, director y ser una obra preciosa, no es necesariamente del paladar masivo y es probable que Kaye vuelva a sufrir el no reconocimiento que merece. De hecho creo que aún no tiene fecha de estreno en Argentina o España. Sin embargo, si por alguna razón tienen acceso a esta película, no la dejen pasar, no los va a defraudar.

The Sitter

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Hace un tiempo, a raíz de una mala, muy mala película de acción, me decidí a escribir sobre cierto puntos o aspectos del género que ya se agotaron y no se pueden seguir utilizando. The Sitter no es una muy mala comedia, es regular, pero quizás parte de su hundimiento es por caer en algunos tópicos ya agotados. Por eso aprovecharé la ocasión para enumerar algunos de ellos.

David Gordon Green no está en mi lista de directores a seguir, pero eso no quita que en su trayectoria tuvo un gran acierto como fue Pineapple Express. Saliendo de eso, queda claro que si bien insiste en la comedía, sus últimos trabajos no estuvieron a la altura de los anteriores. En su puesta de escena no registra nada que lo identifique como personal, ni siquiera el tono o la forma de generar humor. No necesariamente es algo muy malo, ya que es innegable que sus trabajos están bien filmados, así que por lo menos no resta puntos en ese aspecto.

Sin embargo creo que sus filmes recaen demasiado sobre los actores, descuida el guión y abusa de situaciones simples donde deja todo el peso de la gracia en la interpretación. Para contrarrestar esto, al menos es muy bueno haciendo los castings. Jonah Hill es un actor como la copa de un pino, he de reconocer que me gusta más en el drama, pero se desenvuelve perfectamente en cualquier género. Pero el hecho de ser uno de los primeros "gorditos" que logra salir de la comedia, me gustaría verlo más a menudo fuera del género. Su trabajo es impecable, como siempre. Pero es que está acompañado de un brillante Sam Rockwell, un actor que no recibe el crédito que merece porque sus trabajos son siempre, siempre, muy buenos. Y el acierto principal aquí son los tres niños, que ofrecen unas interpretaciones excelentes. El nivel de actuación de los niños con el paso de los años sube y sube como la espuma. No sé si seguirán siendo una tortura durante el rodaje, pero el resultado final a mejorado notablemente. Quiero destacar a J.B. Smoove, otro producto de la fábrica de Saturday Night Live, que personalmente descubrí en We Bought a Zoo, pero si la suerte y los productores lo acompañan, puede hacerse un hueco grande en la industria del humor. Del estilo de Eddie Murphy, este caballero tiene una facilidad pasmosa para hacernos reír.

En cuanto a la película en sí, tiene momentos graciosos y en general entretiene durante todo el metraje, pero cae en demasiados clichés que hace que el resultado final sea mediocre. Había comentado que hay ciertos elementos que ya se agotaron en el género. En el caso de The Sitter lo tenemos casi desde el comienzo. La motivación sexual me parece que ya se uso demasiado. Muchas comedias la usaron durante décadas y con la serie de las American Pie ya se agotó dle todo. El personaje de Noah comienza esta aventura y deja todas sus responsabilidades para "hechar un polvo". Cuando el desencadenante de todo es algo que ya vimos 1400 veces, la motivación del espectador cae inmediatamente, hay muchas formas de lanzar una historia y cuando todos los géneros utilizan el amor, la comedia lo suele rebajar a lo burdo del sexo. Tema que sirve para el humor, pero como motivación ya no se debería utilizar más.

Aprovecho también para reclamar que se deje de usar el tópico de las drogas involuntarias. En este caso pega en el palo, porque no llega a afectar a ningún personaje, pero ya vimos demasiadas veces a gente que hace estupideces y nos regala risas porque algún accidente lo lleva a estar drogado. Hay más gags en el universo, a romperse un poco la cabeza.

El tema de las casualidades creo que es clave y fundamental, pero eso no exime de que se construyan un poco y no sean una constante para salir de apuros. No puede ser tan fácil que se crucen en 4 lugares diferentes dos personajes en la misma noche sin ninguna justificación, darles al menos una motivación que lo vuelva más verosímil.

Por último, las placas finales contando que paso con la vida de cada uno. En una biografía lo entiendo como algo útil, pero en la comedia es una forma fácil de meter más chistes y tratar de dejar un buen sabor de boca final. Es una trampa engañosa para el espectador.

Sin embargo, no voy a cerrar el post con quejas, sino con el mayor acierto del filme: Rodrigo. El niño adoptado desde El Salvador, me parece uno de los personajes más graciosos, curiosos y originales que vi en bastante tiempo. Él solito le sube un puntito a la película, que al fin de cuentas, se deja ver. Si no tienen nada que hacer y no tienen ninguna otra opción para ver, déjense llevar, tampoco es que van a sentir que perdieron el tiempo.

Chakushin Ari (Llamada Perdida)

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Takashi Miike me dejo boquiabierto cuando vi la primera de sus películas, Audition, me pareció un director con un estilo muy personal, pero a la vez capaz de dibujar historias crudas y sin estereotipos. Ese fue el argumento que me llevo a ver Chakushin Ari, ya que el remake americano me había parecido muy malo. Y teniendo como precedentes que todos los remakes de los filmes de horror asiáticos bajaban la calidad de los originales, me pareció bastante para arriesgarme a  verlo.

Y por un lado sí, nuevamente el producto original es superior, la pena es que no alcanza. El nivel sigue siendo bajo. Por el otro lado, no es el Takashi Miike que estamos acostumbrados. Mucho más "limpio y formal", tradicional, no arriesga demasiado y se limita a llevar  la historia, con solvencia y con mucho suspense, pero sin ese aporte especial que le dan los grandes directores a los guiones. No se encuentra su sello en ningún momento. Es la típica realización limpia que deja en manos del guión el resultado final.

Y si hay una gran diferencia entre los filmes asiáticos y sus remakes americanos es justamente ese. La necesidad de cerrar todos los cabos que tiene la industria de Hollywood. A veces no entender del todo algo, o no justificarlo hasta la saciedad funciona mejor. Genera más suspense y terror. Pero en este caso ya es demasiado. Informaciones que salen de la galera y relaciones de datos demasiadas rebuscadas. Motivaciones que no terminamos de entender y una muy pobre construcción de los personajes, hacen que tomemos demasiada distancia, quedándonos solo algunos momentos puntuales donde el horror funciona perfectamente y nuestros pelos se erizan.

La segunda gran diferencia suelen ser las interpretaciones. Los actores asiáticos, quizás inmersos en su cultura, tienen una expresividad diferente, tanto en los momentos efusivos, pero sobretodo en los momentos neutros que al menos a mi, me transmiten mucha tensión. Parece que no está pasando nada, pero a mi me siguen poniendo de los nervios. En esta película caen en actuaciones más convencionales y sus personajes no arrastran los típicos hechos traumaticos, al menos con el acto fallido de la protagonista, Ko Shibasaki, que es de lo mejorcito, pero quizás sólo por el hecho de ser la que más tiempo pasa en pantalla.

En resumen, hay muchas y buenas pelis de terror en Asia, esta no es una de ellas.

Inception (Origen)

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Cuando uno lee los libros de historia del cine, habla con profesores, sabios y demás, suele ser la película de cabecera, al menos por consenso (la verdadera nadie la dice) El ciudadano Kane la mejor de todos los tiempos. Luego uno la mira y dice: "Está bien, pero no es para taaaaaaaaaaaanto!. Entonces se vuelve a consultar con las eminencias por qué tanto lío con ese filme. "Es un adelantado al tiempo, invento el flashback, estableció el formato del cine clásico, etc" y otras lindeces de ese tipo es la respuesta. Supongo que había que esperar a ver algo similar para entender bien a la magnitud de la que se refieren. Y con Inception yo he encontrado la respuesta. Porque es una adelantada a su tiempo, ha revolucionado el formato cinematográfico clásico y ha dado dos pasos adelante en cuanto a las estructuras temporales en los guiones. 

Christopher Nolan es para mi sin dudas el mejor director del siglo XXI. A su impecable trayectoria, donde todos quisieran que su paso "fallido" fuera del nivel de Insomnia, ha reventado una y otra vez la pantalla con obras maestras. Ha llevado la saga de Batman a niveles inimaginados. Pero siempre ha mostrado interés en el desarrollar el trabajo de las estructuras temporales. Como en Memento, o en su Prestige, que fue un ensayo de lo que hizo con Inception. Si ahí lograba crear tres líneas temporales perfectas, preparo al espectador para el asalto final: ¡Cinco líneas temporales! De ahí, es normal, que mucha gente se pierda en el camino y lo que es peor, muchos sienta que se pierden en el último paso, en el final. Ya hablaré del final, pero no toca todavía.

La trama es mucho más sencilla de lo que muchos creen. Tenemos la línea temporal del ahora, la que llamaremos "La realidad". A partir de esa comenzamos la escalera onírica: Primer sueño (a cargo del Químico), Segundo sueño (a cargo de Arthur), Tercer sueño (a cargo de Eames) y el limbo (a cargo de Cobb). Cada descenso de nivel implica multiplicar por 20 la percepción del tiempo, pero es que para implantar una idea hay que ir a lo profundo de la mente del personaje de Fisher. Y para que todo funcione, hay que ir a lo profundo del espectador para involucrarlo. Acá se necesitan ojos abiertos y mente activa. El espectador vago se va a perder sin dudas. A partir de esta estructura, el guión funciona perfectamente, desarrollando subtramas internas de cada nivel, como genéricas a toda la estructura. Debajo de toda esta "simpleza" de historia, hay infinidad de pistas, matices y detalles que enriquecen toda la historia. Nada es aleatorio, nada sobra, nada falta. La concepción de este guión es una obra maestra.

Y tal obra, recibe la puesta en escena acorde. Nolan esta a años luz de cualquier otro realizador actual en cuanto al manejo de los recursos. Los movimientos de cámara, los slow motion, el arte, la fotografía, todo funciona en conjunto para potenciar cada aspecto del guión y consolidarlo. No es gratuito que tuerza el planeta, sirve para enseñarle al arquitecto (y al espectador) como funciona la estructura de los sueños, que se puede hacer y que no se puede. Este es solo un ejemplo. Pero toda esa conjunción permiten a la película alcanzar un nivel de poder visual que no había visto nunca. Me duele la mandíbula de tener la boca abierta.

Las interpretaciones son brillantes. Tom Hardy tiene matices como nunca se lo vio. DiCaprio, a pesar de ser bastante repetitivo en sus actuaciones es mucho más profundo, versátil y atormentado que en otros trabajos (Shutter Island por poner un ejemplo). Pero es injusto destacar sólo a ellos, porque todos brillan: Ellen Page, Marion Cotillard,, Ken Watanebe, Cillian Murphy. Quizás por poner un pero, Michael Caine, Tom Berenguer y Joseph Gordon-Levitt está un poquito desaprovechados, pero no desentonan.

Llega el momento entonces de hablar del final. Es evidente que si alguien no vio el filme aquí es donde se deja de leer. Y es probable que lo que voy a decir decepcione. Pero en un mundo de sueños, es inevitable la percepción subjetiva, por lo tanto, Nolan muy inteligentemente decide dejar abierto el final y todas las interpretaciones son válidas. Desde que todo salió bien, a que siempre fue un sueño o que todo es producto de estar atrapado en la mente de Cobb, en su limbo. Esta última opción se apoya en el inicio, donde está en limbo como vemos sobre el final con Saito, y dicen conocerse de un recuerdo, desde donde comienza toda la película. Es una opción válida.

¿Todo sigue siendo un sueño? Puede ser, la peonza no se cae al final, todo el tratamiento de la secuencia final parece un sueño, como lo ralentiza, como llega del aeropuerto a la casa, como el padre lo estaba esperando. ¿Por qué no?

Pero ya puestos, vamos a jugarnos un poco y yo me quedo con la opción de que finalmente estamos en la realidad. Que la peonza no se caiga es simplemente para alimentar este debate. Porque claramente se comienza a mover como previa a caer, no parece girar indefinidamente como debería ser en un sueño. Pero es que además, los sueños no tienen elementos reales, salvo que alguien tuerza la información (como hace Hardy para mutar en Berenguer), con lo cual, la presencia del padre de Cobb en el aeropuerto sólo la podemos tomar como real. Luego tenemos a los hijos, que en sus sueños no era capaz de verles la cara y en este caso sí sucede. Pero lo principal para mi, es que la estructura temporal así lo sugiere, porque olvidando los cinco niveles, ese inicio en el limbo se retoma cuando llegan al limbo durante el transcurso, cerrando el circulo y a partir de ahí se ve un claro camino de despertares continuados para salir nivel a nivel. Es verdad, no nos muestran el de DiCaprio, ni Saito, pero por dos razones: Primero, si uno vuelve parece bastante evidentemente que el otro también salió de la misma manera, pero fundamentalmente, porque funciona igual que el corte final, si mostráramos esa información no habría debate alguno.

Pero la magia de Inception no radica sólo en su poder visual, su estructura, su debate. Es la posibilidad, al igual que el final y el dicho que "los símbolos son habitaciones de muchas puertas" de indagar, cada vez con más profundidad y encontrar nuevas cosas. Es una obra profunda y compleja, que puede mantener entretenido a esas personas que decían que El ciudadano Kane era la mejor película de historia. Lamentablemente para Orson Welles, el tiempo finalmente trajo a quien lo desbancó.

We Bought a Zoo (Un Zoológico en Casa)

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Un director difícil, muy complicado para mi gusto es Cameron Crowe. Porque tiene la virtud de convertir típicos fallos en aciertos, convirtiéndose en una paradoja para analizar. Siempre hablando de la parte positiva de su carrera, porque es imposible negar algunos bodrios que nos ha regalado. Pero bueno, mirando lo positivo (Jerry Maguire, Almost Famous) en esa línea, nos encontramos con We Bought a Zoo.

La historia es sencilla y bien presentado. Una familia que recientemente sufre la pérdida de la madre, tiene que seguir adelante, y como en muchos casos, comenzar de cero parece la mejor opción. Un padre soñador y aventurero, un hijo en la edad del pavo y una hija que si realmente alguien de siete años puede decir las líneas que los guionistas le regalan va camino al nobel de literatura sin peajes.

La construcción de la historia esta bien, parte de una idea sencilla que como todos sus filmes sera la base de todo y quedará grabada en una frase celebre: "Sólo se necesitan 20 segundos de valor". A partir de aquí sucede todo. Teñido de mucho cursilismo y un tono naif. Normalmente esto es suficiente para estampar la cinta contra la pared, pero he de reconocer que el mayor mérito de Crowe es que filma como un niño de 10 años. Y no me refiero a escasez técnica, sino que todo parece ser visto a través de los ojos inocentes de un niño. Sus películas parecen partir de recuerdos reales de su infancia y en eso inspirar a los personajes. Como resultado, todo ese mundo cursi se carga de una verosimilitud aplastante, y por mucho que uno quiera protestar, queda atrapado en el código. Además de una dosis necesaria de humor, pero que es llevado bajo el mismo tono. Muchos directores son reconocidos por "los mundos" que crean, por ejemplo Tim Burton, porque son más fáciles de ver, el arte, la fotografía, etc, lo hacen evidente. Creo que es hora de reconocer el mérito de este director porque sus universos son únicos. Al menos con la maestría que los realiza.

¡Hasta va a lograr que le perdone el casting! Un Matt Damon que increíblemente funciona en el género. La usualmente insulsa Scarlett Johansson logra transmitir un poco y la dirección de los secundarios es muy buena. Quiero destacar a Angus Macfayden, del cual cada aparición es una bendición.

No es una obra maestra, ni cerca de estarlo, pero sin dudas entretiene y es imposible no sonreír, y más de una vez, en el transcurso del filme. Y créanme, es algo que agradecer.