Chugyeogja (The Chaser)

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La inercia del talento se mueve de un sitio al otro sin lógica ni avisos. Si durante la década pasada fue Alemania una fuente de pequeñas maravillas, los últimos años muestran a Corea como una potencia a tener en cuenta. De la mano de los Oldboy, The Mother, Shiri, Spring, Summer, Fall, Winter & Spring again y otras pequeñas joyas ocultas por la escasa distribución mundial de este cine. Hong-jin Na hace una presentación en el mundo cinematográfico realmente impactante. Su opera prima The Chaser muestra un nuevo tono que es logrado con maestría.

Si en algo se fija el director es en la ineptitud humana. Y decide llevarla a todos los extremos. No se salva nadie. Los malos son ineptos, los buenos son ineptos, los indiferentes son ineptos... nadie sirve para nada. Y en un ácido punto de vista, logra dar un realismo impresionante. Uno vive en constante desesperación ante la incapacidad de todos de lograr las cosas más mínimas. Si el asesino hace todo lo posible para ser atrapado, la policía lo hace para que quede en libertad. Y si se meten los políticos muestran ser igual de incapaces de hacer nada bien. Son todos esos fracasos constantes los que mantienen en vilo al espectador y generan una intriga brutal de ver como se desarrollan los hechos. En algún momento pueden generar alguna sonrisa, pero el tono de la película es un tradicional thriller, donde tenemos cuatro líneas principales: un asesino, su potencial victima, su perseguidor (el jefe de la victima que busca su rescate) y el policía.

Cuatro puntos importantes, cuatro personajes logrados, cuatro ángulos de ataque para la historia que mantienen la tensión. Pero sobretodo, porque esas variables permiten el trabajo con objetivos cortos. No son necesariamente giros de tuerca, sino más bien que cuando uno cree que el filme va de ese tema, se resuelve mucho antes de lo previsto abriendo un nuevo objetivo en los personajes. Sin dudas el lugar rompe con los modelos de manual de guión.

Las interpretaciones están a la altura del largometraje, brindando solidez y sobretodo credibilidad ante tanta ineptitud y resultan fundamentales para el funcionamiento del filme. Destaca el gran Yun-Seok Kim, en un papel formidable que no solo actúa perfectamente, sino que permite a su personaje vivir un crecimiento descomunal durante el metraje.

Un película novedosa y que presentará una nueva oportunidad de abrir la puerta al cine coreano para mucha gente. Una oportunidad para no dejar pasar.

Fright Night (Noche de miedo)

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Lamentablemente una parte importante de lo que debería hablar no puedo. Y es que Fright Night es un remake del filme del mismo nombre del año 85, que no he visto y no puedo comparar. Por tal razón hablaré pura y exclusivamente de lo que ofrece como película única, sin reminiscencias a la original. Y lo que puedo decir no es muy bueno. A pesar de contar con la presencia de Colin Farrell, en este caso ni él se salva. Da la sensación que el metraje tiene mucha prisa por llegar a la acción y decide olvidarse del suspense, la intriga, la evolución y desarrollo de la misma historia.

Craig Gillespie comenzó su carrera con la prometedor Lars and the real girl, una película completamente diferente a esta, no sólo en el género sino en la forma que se la trata y las prioridades de la misma. Si en esa los personajes eran claves y se movía en un tono marginal, casi bizarro, en este caso cae en todos los clichés y convencionalismos posibles. Los minutos avanzan y no sucede nada que pueda sorprendernos, sólo acumulamos preguntas, cada vez más, que tristemente no tendrán una respuesta que nos deje tranquilos.

Anton Yelchin por alguna razón que desconozco, parece ser una de las caras nuevas más prometedoras y le salen papeles con facilidad, en el sentido de ofertas que recibe, porque a la hora de interpretar ese chico es más inexpresivo que cualquiera de los finalistas de un torneo de poker profesional. El gran Colin Farrell cae en los estereotipos y logra sin dudas su más floja performance de los últimos años.

No puedo dejar de pensar que el filme esta falto de ambición. Parece un tramite para todos, técnicos, director, actores, productores. Un chorizo para recaudar un poco, amparados en una cara conocida y la nueva edición de una película tuvo un mínimo de éxito y quizás gracias al remake se convierta en uno de esos casos de culto que nadie comprende. Personalmente me aburrió bastante y sobretodo por esa mediocridad, ese está todo bien, pero no tiene nada especial, nada que la distinga. Yo no le dedicaría ni una moneda, pero si dentro de unos meses se la encuentran en el zapping de la tele, bueno... quizás sirva para pasar el rato.

The Tree of Life (El Árbol de la Vida)

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"La historia se centra en la vida de una familia de tres hijos en los 50, donde el hijo mayor es testigo de la perdida de la inocencia". Esa es la storyline con que se vende con la película. Eso es lo que yo sabía antes de ir al cine. Es uno de los pocos casos donde lamento no haber visto el trailer antes de verla. Aunque tampoco es seguro de salvación, pero sí presagia un poco lo que nos espera. Esas imágenes que no sabe a cuento de que están no serán sueltas, se tendrá que aguantar un tirón de 20 minutos continuos de ellas. Y no se alegre de la presencia de Sean Penn, a parte de lo que sale en el trailer, aparecerá poco más.

Empecemos por lo bueno. La fotografía, estéticamente hablando, es magistral. La belleza visualmente de los planos es impresionante. El filme nos regala imágenes de tipo documental de una preciosidad visual impactante. Esto es algo a lo que Terrence Malick nos tenía acostumbrado. Así como también a ciertos momentos místicos, donde la trama pasa a un segundo plano y su espiritualidad pasa al primero. El Árbol de la Vida es la versión extrema del director. Nadie le ha puesto límites y sólo puedo asumir a algo personal en su vida para que haya hecho esto.

La trama es inexistente, al punto que después de casi dos horas y media, cuesta saber el nombre de alguno de los personajes. Porque la creación de los mismos es nula. Sólo pasan sucesos, insignificantes y tomados con cierta distancia que hacen imposible la empatía. Sin ir más lejos, ni bien comienza la historia, la pareja principal sufre una pérdida que no causa ningún dolor al espectador porque estamos mirando a dos extraños. Y lo que es peor. Esa pérdida no va a generar ninguna influencia en los personajes en su desarrollo posterior.

Esa mística de la que hablaba esta presente en el 80% de la película, en el 20% restante simplemente lo lleva a un extremo potencialmente superior que es necesaria una gran cantidad de drogas para evitar suicidarse mientras uno lo sufre. El tono, tempo y desarrollo propio del filme, ante tan pobre construcción del guión y personajes, interpretaciones muy livianitas, se hace una auténtica tortura. Si me preguntan si prefiero volver a verla o recibir 50 patadas en mis partes privadas, me inclino por la segunda opción.

Pero si hay algo realmente desagradable, es la voz en off. Convierte el metraje en un panfleto religioso místico que creo ni el papa mismo aguanta. Por momentos uno se siente en misa como si estuviera en una iglesia. Y la música, que podrá ser muy bonita en otro contexto, potencia esto hasta niveles donde he llegado a autoahorcarme en el cine (y esto no es una metáfora).

Cuando Malick regreso con La Delgada Línea Roja, los actores se mataban por salir en la misma, aunque sea por 2 minutos. Uno de los que se rumoreó que llamó personalmente al director para estar en la misma, aunque no tuvo éxito, fue Brad Pitt. Ahora tuvo su oportunidad y quizás la experiencia personal de él fue muy buena, pero desde mi ojo, ese actor que supo aparecer en pantalla por su cara bonita y que poco a poco se fue convirtiendo en un actorazo, en esta película no me dice nada. Al punto que desaparece de la misma porque su personaje esta de viaje laboral y no lo extraña nadie. Jessica Chastain es más aburrida que mirar una pared y sólo sirve para potenciar "la subliminal" idea de relación incestuosa con su hijo mayor. Sean Penn aparece pocos minutos y creo que pocas veces se le había sacado tan poco provecho. La única escena larga que tiene es la paja mental final de Malick.

Muchas veces la gente tiende a alabar lo que no comprende, más viniendo de un artista de renombre, por miedo a quedar mal frente a los entendidos. En este caso yo me pondré como espectador común y diré que no entendí nada. Quiero creer que no entendí nada. Pero no tengo miedo, así que no diré que me gustó. Diré que la pase muy mal y que todo aquel que crea compartir mi gusto cinematográfico huya de las salas donde se exhiba esta película, pero que huya lo más lejos posible.

Water for Elephants (Agua para Elefantes)

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En la trayectoria de Francis Lawrence encontramos dos filmes destacados (Constantine y I am Leyend), donde prima cierta oscuridad y explora algunos aspectos de vida misma. En Water for Elephants se decide a indagar en el amor. Porque básicamente es una película romántica. A pesar de un comienzo brutal e intrigante, cuando todo presagiaba que íbamos a presenciar una historia atrapante, tanto por las miserias que les toca vivir a algunas personas, como la intrigante vida del circo (y más si nos remontamos a los años '30) y sus integrantes. Pero no, poco a poco nos perdemos en la historia de amor y poco a poco nos empezamos a aburrir de la trama.

Olvidemos el comienzo convencional para dar paso al flashback (que no está mal, pero tampoco lo considero necesario más que como anuncio de que no nos entusiasmemos, esto va de chico conoce a chica), ahí comienza una historia que promete, un joven a punto de ser veterinario que se encuentra de pronto sin nada en la vida, obligado así a comenzar de cero. Y ese nuevo inicio es en el circo. Con sus frikis, trabajadores, animales y magia. Dentro de ese mundo esta Reese Witherspoon, con su sonrisa de punta a punta en la pantalla. Y ella será la culpable de la caída. Porque su historia con Robert Pattinson es tan previsible como aburrida. ¿Qué hacemos con una trama dolente pero subtramas atrapantes? Simplemente quedarnos con la sensación de que se desaprovechó una buena oportunidad. Lo que podría haber sido muy bueno, se queda en mediocre. Si bien es cierto que el metraje tiene suficientes aciertos como para hacerse lo suficientemente llevadero para que al finalizar uno no piense que ha malgastado su tiempo. Ahora, dudo que dentro de tres meses, se recuerde mucho de que iba, se dirá algo como : Ah, si, la de la parejita con el elefante, ¿no?

Horrible Bosses (Como Acabar con tu Jefe)

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El género de la comedia, el más complicado por lejos de hacer. Siempre admire a los grandes comediantes y si hay un guión que me daría miedo de escribir, sería una de este tipo. Es mucho más fácil hacer llorar que reír. Sin embargo, especialmente en USA, este género fue basureado, pisoteado y maltratado durante muchos años. Ni siquiera haciendo remakes de las buenas comedias europeas (Un funeral de muerte) lograban paliar ese problema en el que se encerraron: O se hace una sátira burda (lease Scary Movie, Epic Movie, etc, etc) o se iba  al humor grotesco de los Adam Sandler y compañía. Pero desde hace unos dos o tres años comenzó a aparecer la luz. De la mano de Will Ferrell con algunos aciertos (y otros errores), la irrupción de Bradley Cooper (con sus Wedding crashers o las épicas Hangover) y un comienzo por apostar a comedias más inteligentes, que no dependan de que un personaje se golpee la cabeza o grite con cara de retardado para lograr la risa. Horrible Bosses da un paso más en este camino. Dista muchísimo de ser una obra maestra, ni siquiera cataloga como gran película, pero si asegura en su mayoría de intensiones darnos felicidad pasajera de una manera más creativa, más pensada, volviendo a la raíces de apostar por la interpretación (con todas sus letras, sin hacer el payaso) y para ello provee un guión sólido, con historia, con trama, con personajes bien construidos, que atrapa al espectador y se da el lujo de hacer homenajes (si no se deducía en la misma trama, los personajes se encargan de recordar los parecidos con la mítica Extraños en un tren de Alfred Hitchcock).

Pero sin dudas me quedo principalmente con las actuaciones. Protagónicos y secundarios brillan con luz propia. Nuestros tres héroes logran personajes muy bien construidos y nos transfieren su sufrimiento ante sus tres horribles jefes: Kevin Spacey (brillante), Jennifer Aniston (sorprendentemente impresionante) y Colin Farrell (ya soy fan de este hombre). Es destacadísima la participación de Jaimee Fox, en un papel más secundario que los tres anteriores, pero que desde el mismo nombre del personaje logra robarnos una sonrisa. Destacar a siete actores no es algo habitual, tomarlo de parámetro.

No va a pasar a la historia, pero sin dudas si se quieren escapar un rato de la realidad y divertirse a lo grande, la invitación esta servida, Seth Gordon nos regala una comedia, como las de antes.

Captain America (Capitan America)

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Como decía en el post anterior, cómic-films ahora comparten cartelera a la vez, y en este caso, pese a todos mis prejuicios, Capitán América es la que sale victoriosa. Para mi es un superhéroe que nunca me despertó la más mínima simpatía, pero la construcción del personaje es muy buena. Sin dudas, tiene muchos puntos que mejorar, pero es de agradecer que se le dedique el tiempo necesario, las escenas que hagan falta, para poder construir el personaje correctamente. Es más, tras superar la parte donde el director se ríe del traje, introducen de una manera construida la versión moderna, tras una impecable transición.

Chris Evans, quién ya tiene experiencia en este mundillo (fue uno de los cuatro fantásticos) encarga de manera sorprendente, por su sobriedad y corrección, al capitán Rodgers. Gracias a unos efectos especiales impresionantes podemos vivir el paso mágico (bueno... científico) de un pequeño enclenque a un hombre moldeado milimetricamente a la perfección (y amigo, si eso es suyo sin efectos especiales, mis más sinceras felicitaciones). Los secundarios acompañan perfectamente. Un gran reparto que destacan Tommy Lee Jones, Stanley Tucci y una Hayley Atwell que enamora. Cierra la aparición de Samuel L. Jackson, como Nick Fury. Cabe recordar que se esta preparando el filme de los Vengadores y por eso hay apariciones cruzadas en las películas, como aquí que ya esta Stark padre, con su compañía que dará lugar a Iron Man.

El punto más flaco en cuanto al reparto e historia es el villano, interpretado por Hugo Weaving, ya que Red Scull no sólo está muy caricaturizado sino que su crecimiento en cuanto a poder y ejercito está totalmente descuidado. Así como su desarrollo tecnológico es muy poco verosímil.

A pesar de tener su lado ñoño, con ciertos conceptos un poco moralistas, la verdad es que la búsqueda de crear un nuevo personaje, con varios momentos críticos hacia los propios Estados Unidos, con humor e ironía, el resultado del filme es más que correcto y permite pasar dos horas entretenido. El final, final, rompe un poco el molde y hace que el espectador se vaya con una sonrisa. Bien por Joe Johnston, que da un paso adelante después de su última película (Hombre lobo) que había decepcionado bastante.

Green Lantern (Linterna Verde)

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Y otra más, superhéroes, adaptaciones desde el cómic y nuevo ejemplo de falta de imaginación. Es el caso de Green Lantern, nuevo intento que bajo un mar de efectos especiales y el cartelón del 3D busca seducir a la masa en busca de una buena taquilla. Partiendo desde el acierto de contar con Ryan Reynolds, aprovechando su incipiente tirón comercial y quien encaja muy bien en el personaje y pasando por unos efectos especiales realmente buenos, termino en ningún otro item para destacar.

En cambio la lista de errores o mejor dicho, desaciertos, es bastante más larga y extendida. Si el actor fue un golazo, la elección de la actriz no pudo ser mas desafortunada. Blake Lively, es Serena de Gossip Girl, no se va a salir nunca de ese personaje por la simple razón que su expresividad permite solo tres caras: Alegría, Enfado y Poker (que es la que usa el 70% del tiempo en pantalla). Claro que si la dama del galán flaqueo, me quedo sin palabras sobre el villano. Bueno... los villanos. El villano menor, Hector (Peter Sarsgaard), no sirve para nada, podría ser eliminado de la historia y no cambia nada. Está claro que quiere servir para armar subtramas, pero es que estas son inexistentes en cuanto a su construcción. El gran malo, Parallax, cometen el típico pecado de mostrarlo tan poderoso e invencible, que nunca vamos a creernos ninguna forma de que pierda.

Pasemos luego al gran atractivo de las películas que viene de cómic, la creación, el nacimiento del héroe. Literalmente cuando Hal viaja a traves del espacio gracias al anillo y se le explican sus nuevas reglas de vida, el filme le dedica 6 minutos al entrenamiento y formación del nuevo paladín. Martin Campbell como su trayectoria ha probado, es un director de acción, la maneja claramente, pero descuida muchisimo la historia.
Por si fuera poco, el tópico de que los humanos nos creemos el centro del universo y bla bla bla, ya esta muy visto, tanto como el cliché de que nuestra humanidad nos vuelve mejores... que además, paradójicamente, nos hace creernos el centro del universo esa teoría. 

Estamos en épocas donde comparten cartel 2 o 3 largometrajes de este tipo, y donde se cuenta con un presupuesto de 200 millones de dólares, hay que esforzarse más... mucho más.

The Smurfs (Los Pitufos)

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Para poder hablar sobre Los Pitufos tengo que tomar una decisión. ¿Soy un periódico y como tal entiendo que es una película infantil y la analizo en función de eso? ¿Soy un adulto nostálgico que quería ver otra vez a los pequeños azulitos? Me quedo con la segunda opción, ya que no quiero ponerme en la piel de un niño de 5 años ni tampoco creo que ningún pequeñajo lea este blog.

La polémica estaba servida desde que cualquiera vio alguna imagen. ¿Los pitufos en Nueva York? Y a partir de ahí las criticas habituales: que así no es el dibujito... que es cualquiera... que arruinan el espíritu del original... que bla bla bla. La realidad es que funciona. No sólo porque regresar a la mágica aldea es la misión que tienen los protagonistas sino porque el contraste con los humanos permite un desahogo del monótono enfrentamiento frente a Gargamel.

Si entendemos ese punto como un acierto, el segundo sin dudas es la creación de la animación de los personajes. Realmente muy lograda, no solo por el realismo sino sobretodo por respetar el diseño original pero logrando a la vez una versión renovada y más actual. No tanto la versión de Azrael. El hecho de querer aparentar ser un gato realista le juega bastante en contra porque pierde verosimilitud cuando se vuelve expresivo, quizás si hubiese sido más falso, más regordete como en el dibujo animado hubiese funcionado mejor.

Pero el principal problema para el adulto nostálgico es sin dudas el humor. Es el punto donde el filme se vuelve más infantil. La mayoría de los gags son simplemente personajes que se golpean accidentalmente. Gargamel está super recontra caricaturizado. Y la pareja de humanos (Neil Patrick Harris y Jayma Mays) exagera constantemente la ternura que inspiran los pequeños héroes azules descuidando bastante sus historias propias, al punto que la de ella es prácticamente inexistente.

Si uno está en esos momentos sensibles, donde cree que un "viaje al pasado" puede ser positivo, no es el caso. Ver Los Smurfs sólo decepciona al recordarnos que hemos crecido y que el niño interior no es tan niño como para disfrutar esta película. Ahora, si uno simplemente va porque quiere llevar a sus hijos, sobrinos o infante de cualquier tipo, bueno, la agonía es soportable a cambio de la felicidad del crío.

The Whistleblower (Secretos Peligrosos)(La Verdad Oculta)

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A pesar de ser un tema de común conocimiento mundial y ofrecer muchas posibilidades, son pocos los que se han animado a contar historias de tráfico de mujeres (se habla de tráfico humano, pero yo no he visto un sólo hombre en esa situación en toda la película) que son vendidas para ejercer la prostitución. Y de los pocos que se han animado, no han tenido mucha repercusión. Quizás por la sensibilidad que hay que tener para contar el tema. Y creo que esa sensibilidad, esa impotencia de como combatirlo y denunciarlo es el mayor acierto de The Whistleblower. Son varios los momentos donde logra retratar lo que yo intuyo es el drama que se vive.

Con un contexto diferente, en la Bosnia post guerra, e incriminando a todo el que pase por delante de la cámara prácticamente, los chicas son de origen del este de Europa, como suele suceder. Aunque también pasa con las latinoamericanas de momento hollywood siempre se ha olvidado de ellas. Larysa Kondriaki, directora novel de origen ucraniano aunque nacida en Canadá, elige una historia basada en hechos reales que ella misma ha escrito. La trama principal está bien trabajada y es el todo. Las subtramas son muy descuidadas (al punto de hasta quedar olvidadas y sin resolver) lo cual genera quizás progresivamente mayor atención sobre el mismo tema y da lugar a ciertos baches, pero sin duda la verosimilitud y solvencia de la historia principal es el gran acierto.

Rachel Weisz es la estrella máxima del reparto, no me refiero al cartel previo sino al peso propio en la trama. Su actuación es brillante y resulta clave para dar un buen resultado. Los demás personajes son muy secundarios, y como todo lo secundario están bastante descuidados, tanto en la creación del personaje como en las interpretaciones. Al final simplemente uno cree que si el personaje es bueno (Vanessa Redgrave) la interpretación fue buena y si el personaje era malo (Monica Bellucci) la interpretación fue mala. No es así, en general están mal todos, haría solo la excepción de la chica que interpreta el personaje de Raya (Roxana Condurache).

Válida la apuesta, bueno el intento, le doy un voto de confianza y hago un poco de vista ciega a ciertos errores, es un filme que vale la pena. Al menos, alguien que intenta algo un poco diferente y sin pelos en la lengua.