Premios Gatox 2011

Cerramos el año y premiamos a los mejores del año. Pero como el blog no es necesariamente de actualidad, cualquier película posteada en el año cuenta para los premios, sin importar de que año sea. Quiero destacar a los mejores y a las gratas sorpresas que me dejo este año. En definitiva, este post sirve un poco de resumen de lo ocurrido en mi vida cinematográfica en el 2011.

Individuales

Mejor actor/actriz de reparto

Nick Nolte (Warrior) Impresionante performance del hombre que como el vino, con los años mejora. Es tanta la diferencia con los demás que me parecería injusto que alguna mujer se llevase el premio femenino. Acapara la mención.

Revelación Masculina

Ryan Gosling (Drive, Crazy Stupid Love, Blue Valentine) Versatilidad, presencia, sobriedad, una aparición fulminante en la pantalla de este chico que le esperan cosas grandes.

Revelación Femenina

Octavia Spencer (The Help) Cada segundo que esta en pantalla lo vale en oro, genial esta chica que lamentablemente el físico la va a limitar porque sino era para tenerla de referencia.

Mejor Actor

Paul Giamatti (Barney's Version) En una de las mejores películas del año, casi todo el peso de la misma recae en sus hombros. Es el responsable de haberme regalado esas maravillosas dos horas.

Mejor Actriz

Rachel Weisz (The Whistleblower) Su interpretación fue impresionante, tanto, que a pesar de que el filme no fue nada del otro mundo se hace con el premio.

Director Revelación

David Schwimmer (Trust) Viniendo de un actor de comedia, su película en el género del drama se mueve con una soltura y solvencia genial. Vamos a seguirlo de cerca a ver que nos trae próximamente.

Mejor Director

Steve McQueen (Hunger) Lo definí como el nuevo Orson Welles, una realización que me dejó con la boca abierta, con un guión simple hace una maravilla.

Películas

Filme Revelación

It's kind of a funny story - Trust

Compartido para ambas, películas de bajo presupuesto, sin campañas comerciales para llegar a ellas pero que emocionan y está realizadas e interpretadas magníficamente. Aire fresco por partida doble.

Mejor filme de habla no inglesa

4 meses, 3 semanas, 2 días

El filme rumano ya ganó Cannes en el 2004, no lo voy a descubrir yo, pero si fue un descubrimiento personal y se impone por muy poco a  las coreanas Memories of Murder y The Chaser.

Bodrio del Año

The tree of life

Lo siento por el amigo Malick, pero eso no es un filme, es una secuencia de imágenes de belleza fotográfica que les gustará a los fotógrafos, a mi me dio ganas de romper el cine.

Filme del Año

Black Swan

Bienvenido de regreso Darren Aronofsky. Una obra perfecta en prácticamente cada aspecto no tuvo competencia este año.

Cowboys & Aliens

Ficha Técnica
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Simplemente me pregunto que se les cruza por la cabeza a algunos guionistas o directores para pensar en las historias. Porque uno tiene que tener serios problemas para meter en una misma trama Cowboys & Aliens. A menos que todo sea una metáfora para hablar de otra historia. Y es ahí cuando empiezo a entender los por qué de los homenajes constantes que se ven en este filme a Terminator. Pero a diferencia de la creación de Cameron, o su repetición bien construida con Matrix, mientras en ambas películas la amenaza es la ambición humana que se les vuelve en contra, en este caso no son los seres humanos los pecadores, sino las victimas de la codicia ajena (tan ajena que viene de otro planeta). Y para evitar cualquier duda los aliens van tras el oro. Ahí se nos puso todo un poco literal.

Tengo que reconocer que me tenía un poco desconcertados los homenajes que hace Jon Favreau, cuando al principio hace esa secuencia donde nuestro "héroe" se carga a tres tipos y roba sus ropas pensé: Ja! parece Terminator. Pero luego ya al final, y no se preocupen por spoilers, es irrelevante, mata a un alien disparando exactamente como Sara Connor en el final de la dos, y el bicho termina bañado en oro fundido. ¿ Todavía dudan? Entonces el monstruo saca una mano y la extiende. Ok, si, están citando al personaje de James Cameron. Ahí me puse a pensar si era un capricho o realmente tenía algún uso. Mi conclusión es que intenta tenerlo, aunque no termina de funcionar.

Porque justamente son las pequeñas incoherencias o faltas de verosimilitud lo que se cargan el filme. Porque encima tengo debilidad por el género western, así que ya tenían puntos ganados desde el inicio. Pero cuando un tío se faja durante 30 segundos contra dos, y el tercero mira, esperando que se los cargue, para recién sacar su arma para disparar... mmm... se podía resolver mejor. O si un chico es capaz de disparar 14 tiros con el mismo revolver sin recargarlo en 1873... me parece que faltó un poco de revisión histórica. Porque las licencias ya están con los aliens, al menos mantener la cordura con las personas!

El sentimiento final es que montaron todo una parafernalia interminable, metáforas, homenajes, vueltas de tuerca y demás para contar una historia muy simple, y creo que el género exige simpleza. Demasiada cosa termina quitando virtudes y el sabor final es agridulce.

Daniel Craig encabeza el elenco junto a Harrison Ford, nada especial por parte de ninguno de los dos. Lo mismo que un desaprovechado Sam Rockwell. Ni que hablar de Olivia Wilde que no me pega nada en ese contexto y me parece el eslabón más flojo del filme, no tanto por su interpretación sino por su personaje y todo lo que lo rodea.

Un experimento bizarro, que termina siendo más fallido que acertado, pero aporta la posibilidad de ver algo diferente. Lo que no está muy claro es si es algo bueno.

Crazy, stupid, love (Loco y estúpido amor)

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Definitivamente decreto 2011 como el año de las comedias. Sin que ninguna haya sido una obra maestra el salto de calidad del género es realmente algo saludable. Y Crazy, Stupid, Love se une a la lista de las comedias buenas que hemos visto este año. Recuerdo que una vez un profesor me dijo: "El primer plano de una película tiene que resumirla". En este caso no es el primero, sino la secuencia de planos detalles de pies con la que se inicia la que nos dice que vamos a ver algo interesante. Porque cuando llegamos a los pies de Cal, esas zapatillas sucias y fuera de lugar, nos dicen mucho, del personaje, de la historia, del filme en general.

Nos encontramos con una co-dirección, Glenn Ficarra y John Requa tenía hasta ahora el dudoso honor de ser los autores de la triste Phillip Morris I love you, pero en este caso, quizás al unir fuerzas con un guionista sólido como Dan Fogelman y contar con un casting de altísimo nivel, logran subir su obra y nos entretienen durante dos horas. La estructura de la historia funciona perfectamente, se van plantando las semillas para cosechar los frutos al final, que por primera vez en una comedia pura, parece de una peli de Guy Ritchie. La trama no tiene prisas, nos va conduciendo a un final inevitable (y quizás un poco demasiado feliz) pero se toma el tiempo de justificarlo y de construir a cada personaje para que llegue a ese lugar. Inclusive los típicos secundarios desaprovechados terminan cobrando el valor necesario (hablo en este caso de Kevin Bacon y Marisa Tomei).

Ryan Gosling se reafirma como LA aparición del año, mostrando versatilidad y entrando a nuevos estilos. Este chico es muy bueno y la frase: "pareces hecho en photoshop" es para la historia (porque es verdad). Steve Carell confirma lo que todos sabemos y es que para este género se me ocurren pocos actores que puedan ser mejores. Hasta Julianne Moore esta bien. Lo mismo que Emma Stone, a la cual vuelvo a preguntar: ¿a alguien le parece guapa?.

Muy buen guión, muy buenas actuaciones, una dirección sobria dan como resultado una película interesante y que vale la pena ver. Luego ya me dirán si piensan que el amor es estúpido y loco.

The Help (Criadas y Señoras)

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A la hora de abordar un tema, creo que es fundamental que el director se plantee por qué. Por qué quiero hablar de esto y por qué quiero hacerlo ahora. Una vez resuelto esto, sin dudas se puede construir de una manera sólida y no creo que sea el caso de The Help. Y me explico.

La película intenta ser sobre racismo, ambientada en mediados del siglo pasado en el racista estado de Mississipi. Y digo que intenta porque es lo que creo que el director intentó contar y lo que mucha gente interpretará, pero no es el tema real. Ahí viene mi duda, si es por fallo del realizador o realmente quiso hacerlo, pero me da que encubrir otros temas bajo este pretexto roza el límite de lo moral. Los personajes e historia son muy estereotipados y caricaturescos. Todo se construye en base a prejuicios y se falla a la hora de plantear las cosas de manera racial. Porque esto no es un filme sobre blancos y negros. Es un filme sobre ricos y pobres, sobre prejuicios y convencionalismo. Pero justamente que sea de estos temas (en mi intuición) por un fallo del director, hace que no terminen de convencer a nadie.

¿Por qué ricos y pobres? Pues simplemente porque no sale ni un sólo blanco pobre, ni ningún negro rico (esto en ese contexto era difícil). Entonces, como saber si hay racismo, si no lo podemos comparar dentro de la misma clase social. Es más, la joven Celia Foote, quien llega a ese estatus al casarse y que su pareja herede el dinero y casa, lo confirma. Es discriminada por los demás blancos y muestra igualdad a los de raza negra. Sí, que no les dejen usar el mismo baño es un hecho horrible y metáfora potente, pero como digo, falta ver que hubiesen hecho con una criada blanca. Falta un punto de vista que salga del estereotipo. Y para colmo de males, se habla de manera muy al pasar de otros temas discriminatorios como la homosexualidad, que refuerzan la idea de retratar la estrechez mental que tenían en esa época, más allá del sexo o color.

Tate Taylor, el realizador, más conocido por sus dotes actorales y por una peli anterior de baja reputación encabeza un proyecto que le queda grande. No logra transmitir la profundidad del tema, ni del deseado ni del involuntario y termina tomando demasiada relevancia el libro, que en lugar de ser la excusa, se transforma en la piedra angular de la vida de todos los personajes. Entonces nos perdemos mayor profundidad en ellos.

Emma Stone (por suerte esta chica es buena actriz, porque lo siento Jim Carrey, no es nada guapa) lleva la bandera de la igualdad en un personaje bien interpretado pero sin profundidad, al final es irrelevante su suerte en las relaciones y su futuro laboral termina siendo decidido en segundos por un simple consejo. Pero sí quiero destacar a Octavia Spencer, porque esta mujer se roba el filme. Cada aparición es majestuosa y muestra una facilidad para la comedia como para el drama pasmosa. Esta mujer es oro puro.

La lanza a favor, es que a pesar de todo esto, es innegable que la historia es entretenida y dinámica, se hace llevadera y uno casi ni se da cuenta de las más de dos horas de metraje. Una buena ocasión de pasar un buen rato, desaprovechando la oportunidad de invitarnos a una reflexión más profunda.

Memories of Murder (Salinui chueok)

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Hay elementos del cine asiático que no logro comprender. O mejor, dicho, no puedo darles el significado correcto dentro de la estructura propia y las costumbres de vida que tienen. Es el ejemplo de las personas con discapacidades, sean físicas o mentales. Es algo muy recurrente en el cine de ese continente y seguramente no le doy el simbolismo correcto. Y como sucede en ese aspecto, hay otros. Y quizás sea mi ignorancia la que hace que esos detalles me intriguen y me atrapen, convirtiéndolos en nuevos elementos de valor.

En Memories of Murder hay un chico retardado con un papel muy relevante. Hay toda esa connotación y valor hacia los sexual (en este caso lo entiendo un poco más como una liberación a tanta represión sobre el tema), hay elementos históricos y otro aspecto más usual en el cine coreano: los anti héroes. Y es que los 4 detectives juntos, más la mujer policía no hacen a uno de hollywood. El que piensa no sabe pelear, el que pega no piensa, el que manda es un fraude y así sucesivamente conforman un grupo desastroso. Y como tales, las pistas que van recolectando y la investigación propia haría que los guionistas de Hollywood se den la cabeza contra la pared. Pero es justamente eso el encanto. Joon-ho Bong, el director de la fantastica Madeo (Madre o Mother) nos regala una obra impresionante. Es increíble que dentro de ese marco de incapacidad y caos, por momentos hasta cómico, cuando quiere generar suspenso o dolor o drama lo hace de una manera brutal. Uno puede pasar de la sonrisa a la estupefacción en segundos.

El guión es genial, y muy sorprendente. No tanto por lo que va sucediendo, que al fin y al cabo es lo lógico, sino porque rompe los baremos tradicionales de estructura y personificación, con lo cual, toda la educación cinéfila adquirida resulta obsoleta en este caso. Cada cosa que esperamos que pase, no pasa. No se ata ni a formulas de escritura, ni siquiera a las propias reglas que la trama crea, las puede romper cuando quiera.

Con actuaciones muy buenas, la construcción y crecimiento de los personajes es la vida pura de este filme.

Kang-Ho Song, uno de los actores de garantía, ya son varias las pelis coreanas buenas donde lo veo, lo borda como siempre, mostrando su versatilidad. Y me voy a quedar con su dialogo con el detective Suh que resume en parte lo que son estos policías: -Para ser detective peleas muy mal. -Para ser detective tienes muy mal ojo para detectar criminales. Cada uno describe al otro y presenta sus limitaciones.

Otra joya que encuentro en Corea, sinceramente no se que más tienen que hacer para abrir las puertas mundiales y que se comience a exportar más. Por suerte existen formas de ver cine hoy en día. Por suerte.

Killer Elite (Asesinos de Elite)

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Me pregunto a quién conoce, sobrino de quién o que otro demérito hizo Gary McKendry para lograr dirigir una película con un casting tan importante. Porque su trayectoria sólo refleja un corto previo. Y su calidad expuesta en Killer Elite es cuanto menos, dudosa. Para mí, el film duró 6 minutos. Eso es exactamente lo que hizo falta para decir: "voy a ver un horror de peli". Un asesinato con un planeamiento exhaustivo que no tiene ningún sentido. Si tenían todo preparado para volar un coche, por qué vuelan el de los guardaespaldas en lugar del otro coche donde iba a quien realmente querían matar... Y luego ese crédito inicial con tipografía que recuerda a Misión Imposible, pero versión serie de TV barata.

Luego de eso, una historia completamente vacía. Personajes sin objetivos, sin construcción, trama sin historia, simplemente violencia que se sucede una tras otra. Son tan limitados que ni siquiera logran encontrar motivaciones a los personajes. Si para moverlo hacemos que secuestramos a su amigo (al mejor estilo Rambo 2), una vez que termino ahora le amenazamos a la novia, porque sólo así funciona este chico (y el director, incapaz de tener la más mínima creatividad).La única escena que prometía un poco, cuando De Niro se sienta en ese café de París con Yvonne Strahovsky (la bella chica de Chuck), la corta con el pedido de un vino y nos quedamos sin nada. Y para colmo de males, cae en 4 tópicos del cine que para mi están obsoletos, con lo cual, paso a detallarlos, no sólo para este caso, sino para cualquier otra cinta:

1) Persecuciones de coches: Por mucho que se esfuercen en hacerlas cada vez más impresionantes, imposibles y demás, creo que es algo que ya está agotado en el mundo del cine. Basta de hacer persecuciones de coches, me parecen muy muy aburridas.

2) Peleas interminables: Ni aunque sea el género de acción, las peleas no pueden durar más de 30 segundos porque ya aburren también. Hago excepción si es en un marco deportivo o de torneo, y en el caso de los superhéroes, pero ver a dos personas pegarse durante 5 minutos ya aburre.

3) Los discursos: En serio... ya hasta perdí la cuenta de cuantas pelis se burlan de esto y lo siguen haciendo. Que el malo tenga a su merced al bueno y le de un discurso explicando todo lo que planea o planeó es simplemente una muestra de incapacidad resolutiva de hacer un guión correcto.

4) La placa hechos reales: Desde Coppola hasta Michael Bay, desde Spielberg hasta mi, desde Woody Allen hasta el carnicero de mi barrio, todos podemos poner una placa al comienzo que diga: "Basada en hechos reales", ya se que genera más afección al espectador el saber eso, pero es de total incapacidad de un realizador poner ese cartel. Los verdaderos directores se encargarán de hacer una puesta en escena que transmita la idea sin necesidad de poner un cartel literal. ¿Qué es lo próximo? Un placa al final que ponga: "Esta película habla del destino y como nos afecta"

Volviendo al bodrio de Killer Elite, destacar que Jason Statham está en su línea, un gran tipo duro que no tiene ningún vuelo en cuanto a la interpretación. Clive Owen le da un poco de vida a esta muerte de cinta. Y sinceramente me niego a seguir hablando de este filme, ya perdí casi dos horas mirándolo, no quiero perder mucho más escribiendo sobre él.

Mr. Nobody (Las Vidas Posibles de Mr. Nobody)

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Cuatro países: Alemania, Inglaterra, Francia y Canadá. Unen sus esfuerzos para conjuntar un total de 50 millones de dólares como presupuesto de Mr. Nobody. Sin dudas suena a una seguridad muy grande del producto final y hasta se dan el gusto de contratar reconocidos actores. Ponen a Jaco Van Dormael a dirigir el proyecto, a pesar de que pasaron 13 años desde su último trabajo. La critica la recibe muy bien, la gente la puntúa bien en Internet pero miro que en el cine recaudó a nivel mundial 3 millones. Es decir debe ser una de las pérdidas más catastróficas de la historia. Y a diferencia de los demás, lo veo muy justificado.

Con todo ese presupuesto se logra una propuesta visual muy impactante. Efectos muy logrados, movimientos de cámara impresionantes, un fotografía muy viva. E inspirado en varias... pero varias, varias películas todo eso se transforma en un caos sin sentido. El guión es lamentable, porque dentro de todo el tono onírico que tiene, no deja de ser un sinsentido innecesario. Un desorden para ocultar una historia aburridísima. Con una resolución final lamentable. Y lo peor, es que todo se usa para hablar de temas muy tópicos y tratados de una manera muy naif: el destino, las oportunidades, el amor verdadero. Cuando uno decide apostar por un tipo de historia así, la base de todo pasan a ser las emociones y estados anímicos a los que se somete al espectador, en este caso el 90% del tiempo yo pensaba: ¡me aburro!. Y es que al terminar uno simplemente se pregunta ¿para qué todo este caos? ¿qué quiso decir? Y bien no se si quiso contar tanto que no dijo nada, o directamente no tenía nada que contarnos.

Las interpretaciones son correctas sin más, aunque sí me gustó mucho el Jared Leto mayor. Lo demás cae en el mismo caos y se desaprovecha por completo. Pero es que dentro del desorden, resulta casi imposible identificarse con los personajes, a uno le termina dando igual quien vive y quien muere. Para colmo de males todo acompañado de una música que no viene a cuento. Es un gran ejercicio de ver como usar canciones famosas no necesariamente funciona.

Lo peor de todo, es que el filme dura más de dos horas y media, convirtiéndose en una tortura extensa y como al joven Nemo Nobody, lamentablemente a nosotros tampoco nos vino el ángel del olvido a poner la mano en nuestra boca (que por cierto, ¿para qué dice que deja una marca en la boca si a él no se la pone y tiene la misma marca que el resto de la humanidad?) y así poder olvidar esos extensos 150 minutos perdidos, que nunca podremos recuperar, ya que hicimos la elección incorrecta: Hemos visto Mr. Nobody.

Moneyball (Rompiendo las Reglas)

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Supongo que en gran parte cuanto uno más desconozca de la historia real de Billy Bean, más se puede disfrutar de esta película, ya que uno permanece en cierta oscuridad frente a las posibilidades que se le abren al personaje, apoyado por un estructura que va revelando datos poco a poco.

El director Bennett Miller, en su segundo metraje de ficción nos acerca otro filme de deportes, con el sueño americano de por medio. Ya la vimos 500 veces. ¿Ya la vimos? En este caso no, el punto de vista desde el cual se trata el guión, las metas, los personajes, son más terrenales, más mundanas, no es tan trillado como estamos acostumbrados. Tiene siempre todo un sabor agridulce que le da personalidad. Porque es sin dudas el guión el punto fuerte de la película. No voy a caer en la burrada que cualquier director hubiese hecho un buen filme con él, pero si muchos y sobretodo, varios hubiesen hecho uno mejor.

Y es principalmente porque en Moneyball falla la dirección de actores. En algunos casos. No arruinan la cinta y los principales están muy bien, pero da rabia ver a Philip Seymour Hoffman tan desaprovechado. Un papel chato e inexpresivo. Y es que la tónica general es la sobriedad. Pero en el caso de un genio como él suena a desperdicio. Todo lo contrario con Brad Pitt, que esta muy bien, o principalmente con Jonah Hill que en ningún momento recordamos que es un actor abonado a la comedia.

El ser humano es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra, es un dicho, que bien podría aplicarse, porque de las muchas metáforas, bastante obvias (hasta el punto de tener una escena donde literalmente dicen que es una metáfora), quizás esa más oculta es la clave del éxito. Porque si decía que en este caso no es la típica peli de deportes, es justamente por eso. Es línea oculta es lo que le da relieve al film y hace merecedor de ser visto.

Una apuesta interesante, sobria y sin alardes. 130 minutos que valen la pena ser gastados.

Warrior (Guerrero)

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Muchas veces digo que me resulta muy difícil explicar algunos puntos sin dar spoilers. En el caso de Warrior me resulta imposible. Por eso vamos a dividir el post en dos partes. Una primera como suele ser, una segunda, por debajo del poster del filme, donde voy a revelar mucha información, por esa razón recomiendo encarecidamente ¡no leer esa parte hasta no ver la película!

Gavin O'Connor ya había dado muestras de su capacidad en historias deportivas con Miracle, con lo cual era de esperar que se manejara bien en el género. Y para esta trama parece estar inspirado en clásicos del cine como la vida real. Me resultaría extraño que los Klitschko (y la fabulosa historia de que su madre no los deja enfrentarse) no sirvieran de punto de partida. Clásicos del género como Rocky, El gran Dragón Blanco o Karate Kid vienen en repetidas ocasiones a la mente. Pero lo genial es que a pesar de toda esta información omnipresente, no necesariamente respeta esas tramas sino que las toma como punto de partida. Y a diferencia de todas ellas, se centra muchísimo más en los personajes y lo que sucede fuera del ring.

Porque es allí donde la cinta triunfa. Con un Nick Nolte magistral, como referencia escondida del tema principal: el horror. Y el tratamiento es magnifico, ya que es prácticamente entero en fuera de campo. No necesitamos ver las cosas para comprenderlas. Y el horror que proviene de la oscuridad nos persigue siempre, por mucho que intentemos escapar. Y difícilmente se pueda perdonar (de hecho creo que no se puede), simplemente hay que aceptarlo y aprender a convivir con él. La película indaga en las partes más oscuras de las relaciones humanas y las consecuencias que traen. Tom Hardy sorprende mostrando que es más que músculos y su interpretación me resulta muy convincente. Por el otro lado vienen los problemas, quizás un poco por la historia de los mismos pero Joel Edgerton parece no estar a la altura, mientras que su esposa Jennifer Morrison (la Cameron de House) es simplemente insoportable. No puedo con esa chica, cada aparición en pantalla me dan ganas de arrojarle algo.

Un guión sólido, una puesta en escena convincente y una estructura separada en dos partes (la primera es una gran película, la segunda un buena peli de acción), sirven para ofrecer un resultado muy bueno, con algunos peros que analizaré debajo de la foto, aunque sin dudas dos horas recomendadas. Y ya me dirán a cuantos clásicos del cine de acción les recuerda.

 Ahora si, con libertad de expresión, los principales problemas aparecen en la trama final. Durante el torneo. Primero cae en un pecado habitual. La creación de personajes tan tan tan fuertes, que luego es imposible de creer que puedan ser derrotados. Y lógicamente, para que esto suceda, los golpes que a todos los rivales dejaban KO, cuando le toca el héroe, es capaz de aguantar 600 de los que demás no podían ni con uno. Y esto se aplica tanto a Koba como a Tommy. Ambos son construidos como máquinas imparables y no me puedo creer de ninguna manera sus derrotas. En especial la de Tommy, no sólo porque queda claro que el primer round noqueó por lo menos 4 veces a Brendan, sino porque su propia historia pedía ser el ganador. Su infancia más dura que la de su hermano, su "heroísmo", su voluntad de ayudar a la familia pobre de México y sobretodo, su final perdón a su padre, me parecen argumentos mucho más sólidos que la pérdida de la casa por el lado de Brendan (que seguramente ya no era tal con todas las victorias acumuladas). ¡Y su insoportable esposa! Verla festejar en la grada me ha quitado muchísima emoción del filme.

Por suerte, el cierre desde el punto de vista de su padre y la imagen de ambos abrazados sin recibir premios "maquilla" un poco esto. Pero básicamente el torneo no me gusta ni desde el punto de vista moral (camino del héroe) ni desde el punto de vista verosímil.

30 minutes or less (30 minutos o menos)

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Seguramente cuando nos sentamos a ver una comedia tonta lo único que esperamos es que nos haga reír y pasar un buen rato. No esperamos recordar demasiado de la misma unos meses después. Ruben Fleischer (director de Zombieland) eleva un poco el listón. Pero sólo un poco, no es que haya logrado convertir la estupidez en arte, lo cual sería un símil cinematográfico de convertir plomo en oro. Pero sí demuestra al menos que el género no impide construir con elementos propios del lenguaje el filme y potenciarlo.

Con una historia muy simple que parece inspirada en Speed, desde su mismo inicio el realizador ya esta preparando la estructura y la creación del personaje, vamos, lo que debería ser, no es que sea una maravilla pero se agradece que en este tipo de tramas se haga. Y no queda en fortalecer estructuras, porque en todo el desarrollo de la película hay planos realmente buenos, casi fuera de lugar pero que nuevamente elevan el nivel.

En 30 minutes or less, hay que buscar con lupa, pero si lo hacemos hay premio. Sí, va de dos tontos que roban un banco. Sí, a la vez extorsionados por dos más tontos aún. Y aparecen personajes estereotipados, pero por debajo de todo esto, hay momentos de juicios de valor moral interesantes y las resoluciones o cambios de los mismos me parecen un acierto. Si un personaje se opone durante toda la trama a matar, pero en el momento que su amigo demuestra su amor platónico, gira y decide seguirlo hasta el fin del mundo, es decir: "kill the motherfuckers". Y toda la relación basada en traiciones entre los dos protagonistas son una prueba infinita de como funcionan las relaciones humanas.

El casting funciona perfectamente, con caras conocidas de la comedia que comienzan en su habitual paripé caricaturesco pero poco a poco se van solidificando en actuaciones sobrias y sólidas. Encabezados por Jesse Eisenberg (y la sutil broma de que no entiende de tecnología tras su papel como creador de Facebook), Danny McBride, Nick Swardson y para mi el mejor: Aziz Ansari, que logra sacar risas de la manera más sencilla sin alardes ni sobreactuaciones.

Grata sorpresa en otra comedia que se suma a la lista productiva del año, quizás el de la reivindicación del género. No pasará a la historia, pero seguro que no la olvidamos un par de meses después.

In Time (El Precio del Mañana)

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Un nuevo caso y van... Buenas intensiones, buen inicio, buena idea, pero el pánico invade al realizador y nos volvemos una película de acción vulgar sin más que rápidamente vamos a olvidar. Punto de partida: Estamos en el futuro, no existe el dinero sino que se negocia con tiempo de vida. Una metáfora simplona pero al menos sirve para reflexionar sobre el capitalismo. Se te acaba el dinero (tiempo) y uno se muere. Para que algunos vivan por siempre, muchos deben morir (para que haya ricos muchos serán pobres). Perfecto, bonita idea y siempre se le da la bienvenida a la reflexión. Por mucho que esta invitación sea muy literal.

Y bajo esa línea, con una interesante presentación de este mundo comienza el filme. Bastante sólido en su primera media hora. Pero inclusive en la parte buena, ya comenzamos con el principal problema: el tiempo. Como todos sabemos el tiempo es relativo, tanto en la vida como especialmente en el cine. Cinco segundos pueden durar 4 minutos en una película. Pero siempre hay un límite de verosimilitud, una vez superado ese punto decimos: daaahhhh!! Y en el caso de In Time, digo demasiadas veces daaaahhh!!

La historia se pierde por siempre en la inexplicable escena donde a Justin Timberlake le confiscan su tiempo. Sin grandes justificaciones y sin oponer ninguna resistencia le quitan sus mil años de vida. Pero cuando ya no los tiene decide que es el momento de pasar a la acción. A partir de ahí, todo se vuelve una mezcla de Robin Hood, Bonny & Clyde y todos los tópicos de una peli de acción juntos. El guión ya no importa. Si para llegar a la zona de ricos tuvo que pagar un año pasando doce muros móviles, para escapar no tuvo que pasar ninguno. Si se escapa en plena noche (con todos despiertos, asumimos que no era muy tarde), en el mágico lapso de dos horas tiene tiempo de escapar, cruzar las doce zonas, aparcar, dormir, despertar, huir, tener un accidente, que sea pleno día y todavía le queda tiempo para prestarle a su compañera... Ni que hablar de otras partes, donde es capaz de correr 200 metros en menos de 4 segundos... (cuando la vean sabrán a qué parte me refiero).

Resulta curioso que Andrew Niccol, más reconocido como guionista que director falle de esta manera en la trama, pero es que además no aporta nada como realizador. La puesta en escena es simplemente correcta. Sin errores. Sin aciertos. Bueno, un error rebuscado podría ser el mostrar a Amanda Seyfried en planos enteros cuando corre, porque la pobre chica da la sensación de medir 1,40...

Y ni que hablar de los malos. Malos malísimos. Pero que al final son de lo más fácil de deshacerse. Bien por "méritos" de los héroes o simplemente usar de manera burda y muy cuestionable el famoso "deux ex machine". La solución divina. El pobre Cillian Murphy todavía se preguntará que ha hecho para merecer eso.

Depende del espectador, si está dispuesto a aceptar momentos muy poco creíbles (al mejor estilo Misión Imposible II) se encontrará un producto que entretiene durante poco más de hora y media (al menos no es largo el metraje). Sino lo acepta, se quedará con cara de tonto. Como yo.

Our idiot brother

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No busquemos mucha profundidad de pensamientos, una elaborada puesta en escena o un trabajo milimétrico, simplemente aceptemos lo que Our Idiot Brother tiene para ofrecernos. Porque es una película simple y poco ambiciosa, pero sin dudas cumple con creces su propuesta. Y es a partir de esta simpleza donde el filme nos invita a ver desde un punto de vista bastante naif (Amelie... cuanto daño has hecho...) como la gente trata de ocultar o negar sus miserias, o bien delegar las responsabilidades en otros.

La frase clave es: "trato de depositar mi confianza en los demás, porque así la mayoría intenta dar lo mejor de si para compensarla". Bueno... no se si textualmente pero es algo así. Y hay una serie de secuencias muy logradas a partir de esta idea pero básicamente es que si confiáramos más en el resto de la gente, viviríamos mucho mejor. Como idea genial, ahora poder llevarla a cabo la veo un poco difícil.

Paul Rudd comanda un elenco sólido con una gran interpretación y da vida al genial Ned, será su inocencia (porque no es idiota...) la puerta a las miserias y alegrías de los demás. Y en defensa del director, a pesar del tono "ñoño" evita caer en algunos clichés y hasta escapa a las opciones más previsibles. Creo que ahí radica el éxito, a pesar de todo, los eventos que se van sucediendo en la historia pueden llegar a sorprendernos. Y son esos pequeños momentos los que nos mantienen enganchados.

El resto del casting está a la altura, tanto Elizabeth Banks como Zooey Deschanel como todos los que intervienen están a un gran nivel, generando una gran empatía por parte del espectador.

El director Jesse Peretz no hace un trabajo memorable, pero sí sólido y nos da lo mínimo que podemos pedir: Un buen rato. Las sonrisas y risas son inevitables y si no tienen nada que hacer, esta película sin dudas es una buena opción.

A dangerous method (Un método peligroso)

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A veces un error queda en eso, pero otras veces se transforma en un problema que se arrastra durante todo el metraje. Lamentablemente David Cronenberg tuvo ese fallo letal en su último trabajo. Desde la preproducción, cuando decidió el casting (o cuando se lo impusieron) se generó el punto flojo que terminaría por destrozar su filme. Si ya antes de esta película no me consideraba un fan de Keira Knightley, después de ver A Dangerous Method entra a mi lista negra por la puerta grande. Siempre me pareció una actriz apática, de belleza muy cuestionable pero sobretodo un monumento vivo a la anorexia. Y maravillosamente este último punto se solventó levemente (parece haber ganado unos 5 kilos que la vuelven un poco, solo un poco más humana) pero su interpretación es tan lamentable al punto de que uno quiere arrojar cosas contra la gran pantalla.

Como era de esperar, Cronenberg trabaja una puesta de cámara excelente, que dibuja con sus movimientos y encuadres, buscando potenciar sentimientos y temas, pero cada vez que un travelling termina en un primer plano de Knightley no sólo nos recuerda lo mala que es, sino que lo potencia y me olvido completamente de la historia que estamos viendo. Y como contrapuntos, si bien el hombre de moda, Michael Fassbender es el mejor, tenemos a un simplón Viggo Mortensen, escondido tras una nariz falsa que es desesperante y el cigarro interminable, bueno, evidentemente son diferentes, pero no sale una sola secuencia sin tener un puro en la boca. Un poco exagerado.

Y si el casting le arruinó gran parte de su película, el guión no es que ayude demasiado. Con varios momentos aburridos y caracterización de personajes no del todo logradas, insipientes temas que se muestran superficialmente pero no se desarrollan, y especialmente la indecisión de la trama central. Cuando pensamos que la historia va del método de como curar al personaje de Knightley y lo empezamos a ver, corte, dos años después y ahora el filme va de la relación de Jung y Freud. Nos adaptamos a la nueva temática y pum! Otro corte, otra elipsis y ahora es una historia de amor entre Jung y su ¿ex? paciente. Y cuando pensamos que finalmente se decidió por eso, vuelve a cambiar y así hasta el final. Un final que de paso sea dicho, no aporta nada y deja al espectador más decepcionado de lo que ya estaba.

Dos horas de decepción personal, pero no de crucificción, esperamos ansiosos la oportunidad de resarcirse del amigo Cronenberg, me debe dos horas que he perdido.

The Thing (2011)

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Un caso muy delicado, una muestra de que estoy envejeciendo. Cuando veía a gente mayor que yo agarrarse los pelos porque se hacían remakes de pelis que para ellos eran emblema, lo comienzo a sufrir. Un nuevo remake de un obra de arte de John Carpenter, en este caso, una de mis preferidas y estoy muy sensible a la hora de analizarla. Y más si tenemos en cuenta que nos llega este filme bajo el cartel de precuela. Vaya osadía la de algunos...

Ya lo he comentando alguna vez, que la ventaja de las precuelas sobre las secuelas es la mayor libertad que ofrece a la hora de crear una historia. En el caso de esta The Thing, es nulo. Es un remake por mucho que nos quieran engañar. La primera media hora es calcada y luego cuando empiezan a hacer las variantes, todas son a peor. Justamente el único acierto que encuentro es copiar esa media hora, porque es la parte rescatable, luego, me venía constantemente a la mente Scream 2, cuando Wes Craven vía personajes nos explica las reglas de las secuelas (¡¡lo que confirma que es un remake!!): más sangre, más muertes, más de todo (y como dice el refrán: a veces más es menos).

Evidentemente la ventaja de 30 años de diferencia son los efectos especiales. Muy bien hechos y hasta mucha fidelidad hacia el monstruo creado por Carpenter, para mi, el más feo y desagradable de la historia del cine. Ahora bien, ni aquí han acertado, se enamoraron de su logro y el bicho pasa demasiado tiempo en pantalla, sin fragmentarlo, sin generar el suspense ni el miedo adecuado. Y por si fuera poco, en su afán de superación lo van mutando y cada vez lo tratan de mostrar más humano (ver como cuando esta en Juliette la cabeza cuelga sin más, y luego en otros personajes la cabeza abre la boca y... ruge!!!).

Matthijs Van Heijningen Jr. además de tener un nombre que me hace tener que releerlo 14 veces para escribirlo, aporta nada con esta versión. Más bien destruye y me da ganas de pegarle. Media hora de copia exacta, funciona aunque uno dice: ¿para qué hacer todo igual?. Parece que se da cuenta y comienzan los cambios: un método diferente para identificar quien tiene "la cosa". Muy bien pensado, ingenioso, pero absurdo e imposible de llevar a la practica. El bicho no puede copiar elementos no orgánicos. Genial, con esta lógica situación nos dedicamos a revisar las caries de todos los personajes, que de manera muy educada, todos los noruegos parece que comen caramelos todo el día porque tienen 8 empastes cada uno. Por contra ni los americanos, ni el ingles, ni el millonario tienen... muy ético, si señor. A partir de esta variante empieza la acción, nunca mejor dicho, y al haber el doble de personajes que en la original, tenemos un montón de gente para matar. Pero ahí esta el error. Una muerte cada 10 minutos funciona mucho mejor que una cada 30 segundos. No da tiempo a asustarse si se van cargando todo el tiempo a alguien. ¡Y no me hagan hablar del final! Aquel memorable momento apocalíptico que nos regala Carpenter que se transforma en esta situación típica americana donde ni siquiera hace sentido (no digo más para no poner spoilers, pero no, no es posible ese final).

No hay mucho para destacar, si para criticar, pero mejor ver el vaso medio lleno, que esta película sirva de excusa a los jóvenes para querer consultar la original. Que vean, aprendan, disfruten... como el maestro nos hacía temblar.

4 luni, 3 saptamâni si 2 zile (4 meses, 3 semanas, 2 días)

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Recuerdo hace ya varios años la polémica que despertó "el dogma" cuando yo estudiaba cine. Liderados por Lars Von Trier una serie de directores se encolumnaban detrás de un decálogo de condiciones que debían respetar a la hora de realizar un filme. En mi opinión me parecía innecesario y era más válido como método pedagógico que como forma profesional. Con un presupuesto 0, esta película rumana parece seguir las principales líneas de ese dogma, sin embargo tras revisarlo no es así. Sí es cámara en mano, diría que los escenarios son naturales, aún no me decido con la fotografía (creo más bien que es realista) pero sin dudas los actores son profesionales. Por lo cual creo está inspirada en esa forma, pero es un largometraje donde cada decisión gozó de total libertad, o bien las limitaciones fueron por ese reducido presupuesto.

Si decía que la forma podía ser de práctica para estudiantes, 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile es un ejemplo para todos de como no es necesario el dinero para hacer buen cine. Me gustaría ver qué es capaz de hacer Michael Bay si no le dejan volar medio planeta. Una película intimista, profunda y que deja en ridículo a más de un realizar famoso.

El guión es sencillo, pero no por eso deja de ser sólido, conduce la historia a lo largo de los minutos generando el interés necesario para atrapar al espectador, pero es sin dudas la realización la que convence. Primero por la apuesta de contar la historia a través de los ojos de Otilia (Anamaria Marinca), cuando el 98% hubiese elegido hacerlo a través de Gabriela (Laura Vasiliu). Un punto de vista que sostiene firmemente a pesar de las situaciones todo el tiempo menos una vez. Yo creo que es un error, lo hace para ganar empatía con Gabitza antes de su momento crucial, pero a la vez, nos perdemos el momento donde Otilia cruza la barrera al lado oscuro (me avergüenzo de usar esta expresión...), pero mientras lo mantiene durante todo el resto del metraje, gana el suspense, gana la tensión y sobretodo nos involucra de una manera muy inteligente en el drama de los personajes.

Las interpretaciones son fantásticas, generando amor y desprecio a pares dependiendo de lo que el director Cristian Mungiu quiera. Y dotan de un realismo perfecto un conflicto que nos quiere hacer vivir de manera muy cercana. Quiero destacar la larguísima escena donde Otilia conoce a sus suegros, filmada la mayor parte en un único plano secuencia conjunto, cargado de muchos personajes y con un diálogo trivial que dice muchísimas cosas, si algún día Quentin Tarantino tuviera oportunidad de ver esta escena se daría la cabeza contra la pared de ver como lo han dejando de pequeño en su más famosa virtud.

Mi primera experiencia con el cine rumano ha sido muy buena, claro que venía precedida de la información de haber ganado la palma de oro en cannes, pero es un nuevo ejemplo de que hay vida más allá de la costa americana, mucho más allá.

Hunger (2008)

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Voy leyendo reseñas por allí y se viene una película aparentemente muy buena que se llama Shame, la anuncian como el nuevo trabajo del director Steve McQueen. Y yo digo, quién es este señor que tiene un nombre tan célebre. ¿Es qué sigue vivo y dirige ahora? No, lamentablemente el gran actor nos dejó hace un par de décadas y nos encontramos frente a un nuevo realizar británico que cuenta en su haber con una sóla obra: Hunger.

¡Y qué problemas me encuentro para analizarla! Porque hay dos líneas claras: una puesta en escena brillante, la más impactante que he visto en mucho tiempo, pero a la vez un guión que no se ni como analizarlo, porque tiene una ruptura donde decide olvidarse de todo y me deja perdido en las subtramas. Encima el final... ay el final... es lo que deja el último sabor de boca y no fue el mejor.

Empecemos por la clave de todo, la estructura. Comenzamos con una película con un personaje, al cual se le agrega un compañero. También hay uno del bando opuesto, como para tener un poco de diversidad de puntos de vista. Azarosamente se agrega un nuevo interno en determinado momento. Y mientras la historia se desarrolla principalmente durante la huelga de limpieza, el título del filme nos tiene en vilo con la huelga de hambre. Que se da en el último tercio, con una escena de ruptura total y donde desaparecen todos y nos quedamos sólo con el último personaje que se introduce (Bobby). Un plano general larguisimo que mantiene una conversación entre él y un sacerdote, dos planitos cortos y un primer plano muy largo, siempre fijo, quiebran la historia. Realizado de manera genial, pero nos deja con las ganas de saber que pasa con los dos personajes iniciales, quienes lamentablemente caen en el olvido. Es esta estructura misma, la que destruye el guión. Y me cuesta perdonarlo.

Pero por el otro lado nos encontramos con el Orson Welles del siglo XXI. Una puesta en escena barroca, muy cargada, encuadres maravillosos y un uso del plano fijo en gran angular que no se veía en los tiempos modernos desde hace mucho mucho tiempo. Eso le permite que cada vez que mueve la cámara sea un pincel que escribe, genera sensaciones brutales y le permite ahondar en la crudeza del tema. La fotografía lo acompaña a la perfección y sólo puedo decir que todo el metraje es una poesía visual, pero con significado y sentido, no es un simple capricho.

Las interpretaciones son magnificas, y dado al abandono de algunos personajes me quedaré con quien termina siendo el protagonista, que es Michael Fassbender, que hace un trabajo notable, no sólo emocionalmente, sino físicamente, donde la huelga de hambre hace estragos y más allá del maquillaje, es indudable que sus posturas y movimientos son lo único que la vuelve creíble, hasta un punto de autenticidad innegable.

Pongo en la balanza lo bueno y lo malo, y, ante semejante aparición, decido penalizar en lo mínimo sus errores y me quedo con lo bueno. ¡Bienvenido señor McQueen! Espero ansioso el estreno de su nueva obra, me tendrá ahí firme para ver con que nos deleita.

Hardcore (2004)

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Grecia fue la cuna de la filosofía, literatura, matemáticas y demás hace miles de año, pero no ha sabido adaptarse a las artes modernas de la misma forma. Sin grupos musicales famosos y varios escalones por debajo de las potencias europeas en el cine, da gusto cuando se encuentra a alguien capaz de llevar nuestra atención hacia metrajes de este país. Dennis Iliadis, director de La última casa de la izquierda, llamó mi atención y decidí ver que había hecho. Confirmando cierta obsesión por lo sexual, con Hardcore me ha llevado a meterme un poco en el mundo under griego. Personajes marginales, crudeza y una puesta en escena muy potente son buenas cartas de presentación.

Las dos chicas que llevan adelante la historia cierran interpretaciones magnificas. Tanto Katerina Tsavalou como Martha, y Danai Skiadi como Nadia cierran sus papeles de forma impresionante. Dejando de lado el tema de su muy bajo peso, que hace que me pregunte todo el filme si en algún momento comen (además sólo comen en una escena imaginaria dentro de la historia) logran una sobriedad y sobretodo, escapan a los estereotipos de manera brillante. La interrelación entre ellas y los demás personajes son todo. Porque es esto el fuerte de la película, ya que el guión flaquea un poco en las líneas generales de la historia.

La estética, fotográficamente, vestuario, música y demás funcionan en perfecta armonía, mientras el realizador trabaja una puesta en escena que potencia cada aspecto de la cinta. Mi única pega es su momento "Danny Boyle alegórico" con esa animación del corazón que se marchita. Golpe bajo, burdo e innecesario.

Hardcore se presenta como una gran oportunidad de ver cine de un país que no es habitual, escuchar el idioma para aprender a decir alguna palabra y sobretodo, vivir una historia virgen de prejuicios al no poder reconocer ninguna de las caras que aparecen. Hora y media sólida que vale la pena.

Margin Call

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Hay varios temas que son muy cinematográficos y ya de por sí mismos ofrecen interés al espectador. Hay otros que son aburridos, muy aburridos y no importa cuanto uno se esfuerce en hacer una gran película seguirá siendo aburrido. Con la excepción probable para los economistas y símiles, wall street, la bolsa y como funciona el mercado económico es más aburrido que jugar a la escondida solo. Es decir que Margin Call ya nace defectuosa. Por mucho que la actual crisis (y más que el filme se centre en el nacimiento de la misma) le provea cierta actualidad, a la tercera vez que alguien se pone a explicar números y proyecciones, pero para nosotros si hablaran en chino sería más fácil de comprenderlo (de hecho, hasta 4 veces personajes piden que se lo expliquen como si fuera un niño para ayudarnos) no hay forma de engancharnos por ese lado. ¿Qué nos queda? Evidentemente la empatía y atractivo de los personajes. Y que mejor manera que conseguir un reparto de lujo. Contando con grandes de todos los tiempos como Jeremy Irons o Kevin Spacey, glorias actuales como Paul Bettany, glorias pasadas injustificadas como Demi Moore, actorazos infravalorados como Stanley Tucci o el tirón de los televisivos Simon Baker (el mentalista), Zachary Quinto (Sylar de heroes) o Penn Badgley (Dan de Gossip Girl) se consigue un elenco memorable y que da la posibilidad única de que este largometraje sobreviva... inclusive de manera positiva. Porque son las interpretaciones, los personajes, sus interacciones y si, vamos a darle un guiño al director, montajes paralelos que implican su punto de vista lo que salva la película.

En el mismo comienzo, luego de ver la imponente NY durante varios segundos comenzamos con un despido masivo donde Paul Bettany usa su boca en nombre del director y dice que lo mejor es mirar para otro lado. Un concepto que cobrará más valor a medida que todo prosiga y que al fin de cuentas es la idea del filme: salvar mi culo al precio que sea. Aplicable tanto a las personas como al mismo país de USA. Y no es de sorprender que entre los despedidos este Erik Dale, el primero en ver la que se venía y que la ineptitud más capitalismo salvaje lo deja en la calle a las primeras de cambio, por mucho que luego reciba una generosa compensación económica.

El realizador JC Chandor, con su opera prima muestra solidez como director y lo que parecía una tontería, termina siendo la estrella y su gran acierto: la inminente muerte del perro del personaje de Kevin Spacey. Funciona para humanizarlo, pero sobretodo, como metáfora amplia a varios temas que toca y es su principal arma para expresar su visión del mundo. Por eso no es de sorprender que el final del filme lo involucre, más allá del irrelevante hecho de descubrir que Spacey se está separando y conocer a su ex en ese momento.

La película ofrece varios aciertos y puntos sólidos, que hacen llevadero y compensan el horrible tema de Wall Street, pero evidentemente no puede evitar ciertas lagunas donde nos vamos a aburrir. Por suerte son las menos y el resultado final es bueno. Le damos la bienvenida a JC y esperamos ver como continua su carrera. A mi me convenció de ver su próximo filme.

Kokuhaku (Confessions)

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Una de las cosas que más me gusta del cine asiático es su completamente diferente forma de ver el mundo. No sólo en sus historias o personajes, sino en su tono, puesta en escena y hasta pareciera que juegan con unas reglas diferentes al hacer películas al mundo occidental. Como consecuencia de esto, se encuentran filmes fascinante, otros horribles y un tercer grupo: realmente no se si entendí algo. El director Tetsuya Nakashima en este caso juega por momentos en los tres tipos que he enumerado. La trama se entiende, por ahí no hay inconvenientes, ahora el tono y puesta en escena es desconcertante. Por momentos brillantes, por otros un insulto a nuestro intelecto y por momentos no se definir que intenta hacer, con lo cual no se si es bueno o malo.

Siempre elogio la cinematografía coreana, en este caso nos vamos a quien pelea por el segundo lugar junto a China, Japón. Tierra de maestros que no encontró relevos a los Takeshis (Kitano y Miike), apariciones fugaces de un sólo éxito no cuentan, por lo cual a nuestro amigo Tetsuya lo tengo en cuenta, pero necesito confirmación a su trabajo. Y quizás por donde más me gusta Confessions es por el tema: la venganza. Muy recurrente en el cine oriental, tienen algún tipo de obsesión que los hace llegar a los límites más insospechados. La película roza el borde de lo ético, si es que no lo pasa. Parte de la venganza (mini spoiler) tiene que ver con el HIV, que ya es cuestionable el uso que se le da, pero las acciones y situaciones posteriores entre los alumnos, me parece que se pasó un poco.

Lo más interesante es sin dudas la forma en que se cuenta la historia. Una serie de confesiones que juegan a ser una voz en off, complementan de forma inteligente la información que vemos, evitando en la mayoría de los casos ser redundante. Además, permiten el cambio de puntos de vista y la identificación con más de un personaje. Esto en realidad, nos mueve de manera emocional constante, haciendo que el espectador cambie de posicionamiento cada 10 minutos, respecto a quien es bueno, quien es malo y si queremos o no que vivan. Resulta muy interesante como ejercicio, pero a la vez un poco desesperante. Uno no se termina de sentir cómodo en ningún momento y sinceramente cuando termina todo, uno se encuentra un poco perplejo sin saber exactamente que ha pasado (no tanto en el filme sino en nuestra cabeza).

Con interpretaciones sólidas, especialmente un manejo brillante de los chicos, que suelen ser un dolor de cabeza, son la clave para que todo esto funcione. Y esta vez, dejo una pregunta, para todos aquellos que la vean: ¿qué creen que simbolizan los espejos? Mi opinión es que al ser espejos de tipo curvos, que expanden la visión, a la vez la distorsionan un poco, jugando así un poco más con como se distorsionan las cosas con los puntos de vista.

La música y las cámaras lentas forman parte del "no se si lo estoy entendiendo". Generan un gran clima y ayudan a la historia, aunque no entiendo el por qué de su uso tan asiduo y por momentos caprichoso.

Una cinta que vale la pena ver, aunque no me hago cargo de como se sientan después de hacerlo.

Drive

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Una apuesta diferente, que viene con una gran recepción inicial en USA, se acaba de estrenar en España en el festival de Sitges aunque desconozco su fecha de estreno en el circuito comercial. Aunque es medio paradójico el término, ya que comercial no es precisamente esta película. Nicolas Winding Refn es un director diferente, sus películas tienen su sello particular, ya sea desde la concepción de personajes psicologicamente complicados como desde el tono en que filma. En Bronson llego a su punto cumbre, pero no logra terminar de plasmar su estilo de una manera que cierren sus obras al completo. Drive es un claro ejemplo.

El filme parte con buenas intensiones y asume riegos grandes al ser una apuesta diferente. Sin embargo fracasa al pecar de extremos algunos puntos, que irritan un poco al espectador. La música (y los créditos iniciales!!) es muy ochentosa, algo bonito para los nostálgicos pero que sin dudas desesperante. Lo mismo que el personaje principal interpretado por Ryan Gosling con su extrema costumbre de ser de muy pocas palabras (dan ganas de darle cachetadas y gritarle que diga algo). Porque si bien lo hace muy diferente, no menos cierto es que impide al espectador idenificarse con él. A la vez que las interacciones de los demás se vuelven un poco incomprensibles (todavía me pregunto qué le vió Carey Mulligan para enamorarse). El tempo lento no es una contra, con el clima creado y si estamos con el punto de vista de Gosling está más que justificado. Y es lo que permite que ciertos momentos de relax, mantengan la tensión y estemos al acecho de qué es lo que va a suceder. Y a pesar de que me haya quejado, hay momentos musicales que recuerdan mucho a Scarface, con lo cual ahí me ganó la fibra y le suma un plus.

Si el filme se llama Drive, no puede estar más justificado, nuestro "héroe" lo hace de todas las maneras posibles. Conductor de fuga para ladrones, conductor especialista para películas, chofer para la chica, corredor de carreras, vamos, que lo vemos conducir de todas las maneras posibles. Y si bien es un error abrir tantos caminos, ya que algunos quedan un poco descuidados, no menos cierto es que todos están bien unidos y se centra en el principal. A la vez que de una manera u otra, todos los caminos conducen a Roma. Es decir, todas esas variables conductivas serán las que desemboquen en el final de la historia.

La clave es la paciencia, ya que esas pequeñas "cositas" que ponen a uno un poco de los nervios son perdonables en beneficio de el "bien mayor". En la busqueda de ver una peli diferente Drive se encuentra disponible y justifica el verla. No pasará a la historia pero si nos ayudará a pasar el rato.

Contagion (Contagio)

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Pocas cosas me irritan más en un director que cuando se enamora de sí mismo. Steven Soderbergh se une a esta lista con su última película. Si se lo elogiaba por su manejo de castings impresionantes y la habilidad de manejar filmes de tipo coral, en Contagion lo lleva al extremo. Infinidad de personajes, todos bastante sólidamente unidos en la trama, pero que llevan a una cantidad de desaciertos muy grande. Básicamente porque si como digo la trama está bien unida y su desarrollo, aunque lento, funciona aceptablemente, es el abanico de interminable de subtramas lo que destroza la cinta.

Cada personaje abre una historia diferente, en la mayoría de los casos innecesaria e intrascendente. Si no estuvieran en la película nada cambiaría. Y si son evitables, no es de sorprender que carezcan de interés, que generen más preguntas que respuestas, que los personajes no se terminen de construir y en algunos casos que caigan directamente en el olvido (¿ alguien puede decirme qué pasa con el Dr. Sussman? Hace el primer avance, ¿dicen que le darán una caja de cigarros y ya esta? ¿se ahogo fumando? ¿qué fue de él?) para siempre o momentáneo (la pobre Marion Cotilleard la abandonamos en China como por una hora). Y lo que es peor, ante tanta gente no sabemos con quien identificarnos. Y prácticamente nos da igual lo que les pase. Así, si la palma la mujer de Matt Damon, tristemente nos reímos con un chiste (creo involuntario) ya que poco sabemos de él y de ella sólo que le ponía los cuernos y esparció al mundo una enfermedad letal (mala presentación Gwyneth Paltrow). No se preocupes, todos estos "spoilers" están en el trailer. Aquí quizás la mayor gravedad, entiendo que el bueno de Matt, en su hiper soso personaje, es lo más cercano a ser un protagonista, pero no entiendo para qué esta. No aporta nada su existencia. Así de grave es el manejo de las subtramas.

El caso del personaje de Jude Law es palabras mayores. No sólo por lo poco creíble que es su personaje, con su punto más alto: un allegado a farmacéuticas se acerca a preguntarle que hacer, donde invertir, ya que es un "visionario" que fue el primero en darse cuenta que la enfermedad sería una pandemia. La respuesta de Law entra en el top10 de ridiculeces cinematográficas: La cura es la forcisia (medicamento que no sabemos ni de donde sale, pero muchísimo menos por qué un simple blogger con ambición periodística sabe cual es la solución al fin del mundo antes que se comience a buscar la cura). Ante esta atrocidad que da ganas de darse la cabeza contra el asiento de delante en el cine cae el peor error de Soderbergh. Los pañales que se pone. Con cada intento de criticar algo (farmacéuticas, china, el imperio americano, la naturaleza humana) hace un contrapunto que lo invalida y termina sin decir nada. ¡¡¡Y para qué haces una película si no tienes nada que decir!!! Sin duda lo más atrapante era ver como condenaba la lucratividad que hacen algunos de la muerte y en una desenlace horrible, deja la pregunta abierta sin mojarse, con lo cual no sabemos de qué lado está el director.

Cierro con un acierto/error. El filme comienza con un sobreimpreso que pone Dia 2. Me pareció genial. Mínima variable a lo siempre visto, pero dando por hecho que no hacía falta perder el tiempo con clichés y demás tonterías. Claro que todo se lo carga al cerrar la película con el Día 1. No sólo cae en el montón, sino que a esas alturas... ¿a quién carajo le importa lo que vamos a ver ya?

Sinceramente considero un pérdida de tiempo mirarla. Pero vamos, no voy a prohibir a nadie de ver un filme con un reparto de actores tan amplio, que toca un tema candente y de la mano de un director conocido. Eso sí, están avisados de la decepción que van a sufrir.

Hesher

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Hay una oleada de nuevos directores en Estados Unidos, la mayoría provenientes del mundo del cortometraje, que parecen intentar dar una bocanada de aire fresco. Con un estilo ligeramente variado, historias que rompen los moldes y asumir algo que parecía olvidado: el riesgo. Si uno ve los primeros 10 minutos de Hesher cree que está ante un nuevo caso de esta novedad. Si mira los 95 minutos restantes, confirma que es un intento, pero que fracasa rotundamente.

El inicio de la película es genial. La presentación del personaje de TJ es intrigante y redonda, sin contar demasiado, se descubre mucho tanto del chico como de la trama pasada. Genera una empatía muy rápida y es elogiable contar tanto con tan poco. Luego entra en escena quien confusamente da el título al metraje, ya que no es el héroe sino el principal secundario: Hesher. La mejor aparición de un personaje de la historia. Sale de una pocilga abandonada, pilla a TJ de lo pelos para darle una lección, pero un policía aparece, con lo cual decide ¡TIRARLE UNA GRANADA!. Impresionante.

A partir de ese momento, todas las preguntas que se plantean implicitamente no recibirán ninguna respuesta. Todas las acciones de los personajes son incoherentes e inverosimiles. De hecho, Spencer Susser, el director, se pone en la boca del niño cuando un personaje le pregunta: ¿qué estas haciendo?, a lo cual su respuesta es: No tengo ni idea.

¿Si Hesher le tira una granada a la policía, como puede cruzarse con ellos y hablar como si nada ocurrio? ¿si TJ es un genio, ya que es mucho menor que sus compañeros de escuela, como puede tomar decisiones tan idiotas o intentar seducir a una mujer que le lleva 15 años?. Por el otro lado, los sucesos que pasan son de lo más predecible, muy obvios, trilladas y por tanto, irritantes. El ejemplo más sencillo y pronto, es la asociación musical del Hesher con Metallica, ya que desde el título del filme se copia la tipografía. Cada minuto a partir del once, es una ofensa al intelecto del espectador.

Las interpretaciones son horribles. Rainn Wilson hace el viejo truco de Robin Williams de dejarse la barba para interpretar el drama, pero no sirve, que se quede en la comedia. Joseph Gordon-Levitt está tan perdido como su personaje y ni él sabe por qué hace lo que hace. Natalie Portman es tan insulsa y golpeable como su personaje inocente de Black Swan (sólo que aquí no tiene otra cara para salvarse). Devin Brochu es probablemente el más sólido, pero su personaje no lo ayuda a brillar.

Punto para el realizador por intentarlo, punto por usar a Metallica como banda sonora, punto por un gran comienzo del metraje y hasta ahí llegamos, le damos la esperanza de que en su segundo filme logre mantener esa solidez inicial durante muchos más minutos.